Intelligenza artificiale e applicazioni biologiche

Quello tra medicina e intelligenza artificiale rappresenta, al giorno d’oggi, un binomio sempre più consistente! L’aumento del numero di cittadini affetti da malattie croniche e la necessità di ricorrere a terapie sempre più costose, pongono infatti sfide economiche e sociali significative per qualsiasi sistema sanitario nazionale.

L’Intelligenza Artificiale (AI) viene sempre più utilizzata per analizzare la grande quantità di dati disponibili in questo ambito, per costruire modelli diagnostici che possano supportare il medico nelle decisioni o per la scoperta di biomarcatori non invasivi per la diagnosi di tumori, malattie neurodegenerative,  patologie cardiovascolari in modo precoce.

L’importanza dei dati per la costruzione di algoritmi

Dati come immagini di risonanze magnetiche, tac, dati clinici o dati relativi al patrimonio genetico di ogni individuo possono oggi essere analizzati in modo automatizzato da algoritmi di intelligenza artificiale creati ad hoc dall’uomo per risolvere determinati compiti, ad esempio: 

  • capire se un soggetto è malato o no;
  • capire quali aree di un’immagine di risonanza magnetica evidenziano una determinata malattia;
  • capire quali geni sono più caratterizzanti di una malattia, da usare quindi come potenziali biomarcatori per diagnosi delle stesse o per tracciare il rischio genetico di malattie in modo proattivo.

Tutto questo permette di fornire consulenze personalizzate di prevenzione, andando quindi nella direzione della medicina di precisione.

A differenza delle potenzialità umane, gli strumenti basati sull’intelligenza artificiale possono  riconoscere pattern in moli molto grandi di dati, i cosiddetti big data, anche di natura eterogenea per avere una panoramica generale del paziente. Ad esempio, potremmo “dare in pasto” a modelli di intelligenza artificiale, contemporaneamente, immagini mediche, dati clinici e contenuto genetico di migliaia di pazienti.

A tal proposito la digitalizzazione della cartella clinica permetterebbe di raccogliere numerosissimi dati che con il giusto trattamento potrebbero essere utilizzati come fonte per addestrare modelli di intelligenza artificiale da usare a supporto del medico, senza  i quali sarebbe impossibile riuscire a costruire modelli robusti.

Quali sfide e sviluppi futuri ci aspettano?

Nonostante le numerose potenzialità dell’intelligenza artificiale applicata alla medicina, restano aperte alcune sfide fondamentali che ne condizionano l’efficacia e la diffusione. Tra queste, l’affidabilità e la robustezza dei modelli AI: affinché tali tecnologie possano supportare realmente le decisioni cliniche, devono essere accuratamente valutate in ambienti reali e offrire risultati riproducibili. Questo richiede un processo di validazione clinica rigoroso, oltre alla capacità di interpretare e verificare i risultati in contesti medici specifici.

Inoltre, un elemento determinante per il successo dell’AI in medicina è l’interfaccia medico-macchina. Per ottenere il massimo beneficio, l’intelligenza artificiale deve essere integrata in modo intuitivo e accessibile nei flussi di lavoro dei professionisti sanitari, fungendo da strumento di supporto e non come sostituto del giudizio clinico. Solo con un’implementazione etica, sicura e collaborativa sarà possibile trasformare l’AI in un alleato prezioso per migliorare la qualità delle cure e rispondere alle sfide sanitarie del futuro.

Articolo a cura di Generazione STEM

Quando l’arte incontra la tecnologia

L’arte ha accompagnato l’umanità sin dalle origini della civiltà, poiché l’espressione di tradizioni, credenze e culture è intrinseca all’essere umano, così come la capacità di produrre utensili. Per secoli, l’arte ha suscitato l’interesse di diversi estimatori ed esperti, tra cui artisti, critici, venditori, storici e collezionisti, il cui focus principale è stato spesso il messaggio e il concetto trasmessi dalle opere.

Tuttavia, un aspetto fondamentale è rappresentato dalla componente materica, ovvero dal supporto e dai materiali di cui è costituita l’opera d’arte, che consentono di apprezzare appieno il messaggio dell’artista o la cultura di un determinato popolo. Lo studio delle sostanze che compongono l’arte è una disciplina relativamente recente, conosciuta come “Cultural Heritage Science”, che forma figure professionali specializzate nei materiali artistici e archeologici, nel degrado e nella conservazione del patrimonio culturale materiale.

In Italia, questa disciplina è ancora poco conosciuta e si può studiare in corsi di laurea triennale in “Tecnologia per la Conservazione e il Restauro dei Beni Culturali”, che rientrano nel gruppo delle lauree STEM. L’obiettivo di questi corsi è formare laureati e laureate competenti in materie scientifiche, ma con una spiccata sensibilità per il patrimonio culturale; unendo così l’arte e l’archeologia alla scienza.

La figura professionale che si forma da questa tipologia di corsi di laurea non sostituisce, ma affianca il restauratore o la restauratrice, fornendo supporto scientifico per i dilemmi professionali che possono insorgere durante i lavori di conservazione e restauro, fungendo da tramite per conoscenze che spaziano dalla fisica della materia all’antropologia, dalla geologia e chimica fino alla biologia.
Archeometria, Mineralogia e Petrografia, Chimica del Restauro e Metodologie Fisiche Applicate, sono solo alcune delle discipline che negli anni hanno approfondito lo studio dei materiali artistici e archeologici. Molte delle quali integrate con laboratori. 

Questa interdisciplinarità permette una visione d’insieme e una flessibilità nell’uso delle varie tecniche, facilmente spendibili anche al di fuori del campo dei Beni Culturali. Inoltre, essa sviluppa una particolare sensibilità rispetto all’approccio ai metodi di indagine non distruttivi e non invasivi, nonché la capacità di elaborare iter laboratoriali e strategie metodologiche basate su campioni minimi e quantità ridottissime.

Le principali branche metodologiche di questo settore includono:

  • La diagnostica, che identifica il tipo e lo stato di degrado, determina i materiali costituenti, ricerca l’autenticità e studia metodi di conservazione.
  • L’archeometria, che ricostruisce il contesto storico, tecnologico, antropologico e culturale attraverso lo studio dei reperti archeologici.

La disciplina dei Beni Culturali ha radici profonde nella storia, legata all’importanza che le diverse civiltà hanno attribuito alla conservazione del loro patrimonio artistico e culturale. L’interesse per la tutela del patrimonio culturale si è intensificato nel XIX secolo, quando gli eventi di guerra e le trasformazioni sociali hanno evidenziato la necessità di proteggere opere d’arte e monumenti storici.

Giuridicamente, in Italia, la tutela dei Beni Culturali è formalizzata dalla Costituzione, che, con l’articolo 9, stabilisce il compito della Repubblica di promuovere lo sviluppo culturale e la protezione del patrimonio. Con l’avvento della modernità, la disciplina ha subito un’evoluzione in risposta alle nuove tecnologie sviluppate, al progresso scientifico e alla globalizzazione.

Negli ultimi anni, il campo di studi si è ulteriormente esteso; oltre alla salvaguardia delle opere d’arte, sono stati aggiunti anche scopi di ricerca scientifica. Quest’ultima, applicata ai materiali del passato, consente di ricostruire l’evoluzione del sapere tecnico dell’umanità, che ha spesso fatto uso di approcci “scientifici/tecnici” anche in epoche in cui la scienza vera e propria non era ancora standardizzata, come dimostrano l’applicazione degli specchi o delle lenti nell’antica Grecia e a Roma.

Un approccio analitico consente anche di determinare il miglior metodo di conservazione per questi materiali delicati e fragili, senza comprometterne l’integrità fisica o la fruibilità al pubblico. Queste tecnologie applicate al mondo dell’arte consentono un’analisi approfondita dell’interno dell’opera, rivelando, ad esempio, ripensamenti dell’artista o riutilizzi dello stesso supporto. In questo modo si può ricostruire la storia dell’opera, integrando letteratura di riferimento e documentazione tecnica proveniente dagli archivi storici. 

Attraverso l’analisi della composizione dei pigmenti, è possibile, per esempio, effettuare una datazione indiretta, dato che l’industria dei materiali colorati ha lasciato nel corso dei secoli una consistente documentazione tecnica relativa a brevetti e innovazioni composizionali. Conoscendo i periodi di produzione dei vari pigmenti, è possibile sia datare che valutare l’autenticità dei dipinti.

Un altro ambito di applicazione di queste conoscenze riguarda anche lo studio della collocazione in musei o archivi, per garantire una visibilità ottimale ai visitatori senza compromettere lo stato di salute dell’opera d’arte. Ciò include l’ottimizzazione di sistemi di ventilazione, illuminazione e la gestione del numero di visitatori.

Ulteriori ambiti di applicazione riguardano la progettazione di materiali e strumenti per il restauro che siano sicuri per l’ambiente e per gli operatori. Infatti, in passato, molte tecniche di pulitura o di eliminazione di organismi dai beni culturali prevedevano l’uso di acidi o altre sostanze tossiche, che nel tempo sono state sostituite con tecniche e materiali più sicuri ed efficaci.

Per quanto concerne l’applicazione di questa disciplina in campo archeologico, si possono realizzare:

  • Ricostruzioni degli ambienti e del clima del passato attraverso analisi polliniche, di carboni, di resti animali e vegetali;
  • Analisi dei resti umani e del DNA antico per comprenderne l’evoluzione, ricostruire le diete, lo stile di vita, le malattie, le classi sociali e le abitudini;
  • Comprensione del livello tecnologico attraverso l’analisi di manufatti come ceramiche, metalli, tessuti, vetri, malte, ecc.;
  • Ricostruzione delle funzioni degli ambienti e degli edifici dall’analisi dei resti organici e inorganici e delle strutture;
  • Analisi delle tracce su contenitori o manufatti per comprenderne le funzioni e gli utilizzi, consentendo di ricostruire scambi e rotte commerciali.

Quindi, chi si laurea in Cultural Heritage Science si configura come un intermediario tra professionisti delle materie umanistiche, come archeologi, storici dell’arte e restauratori, e scienziati. Nel corso del tempo, ha acquisito un ruolo fondamentale come scienziato diretto per la ricerca, la diagnostica e lo studio dei materiali dei Beni Culturali.

Sempre più istituzioni pubbliche e private hanno riconosciuto l’importanza di questo ruolo, evidentemente per la necessità primaria di conservare e mettere in sicurezza reperti e opere d’arte, ma anche per il grande valore dei progressi nella ricerca consentiti dall’approccio scientifico: valutazione dell’autenticità, studi di provenienza, datazioni, ricostruzioni dei profili genetici delle antiche popolazioni, ricostruzione delle antiche rotte commerciali, studio dei paleoambienti e delle paleodiete, informazioni sul grado tecnologico delle civiltà del passato e molto altro.

Infatti, i laureati e le laureate in questo campo sono orientati prima di tutto alla ricerca, ma anche alla consulenza nella diagnostica, nella museologia e nella divulgazione. Che l’interesse riguardi la caratterizzazione chimica dei materiali di un Caravaggio, o la datazione di un reperto risalente al Neolitico, questo corso introduce a un mondo che coniuga la passione per l’arte o per la storia con il metodo e le tecniche scientifiche, permettendo di gettare nuova luce su ciò che ci è stato lasciato e su come conservarlo per le generazioni future.

A cura di Generazione Stem

L’autrice

Francesca Rossetti, si è laureata in Tecnologie per la Conservazione e il Restauro dei Beni Culturali nel 2021 con una tesi dal titolo “Catalogazione e analisi XRF di antichi strumenti chirurgici del Museo di Storia della Medicina” presso l’Università La Sapienza, per la quale ha svolto il tirocinio presso il Laboratorio di analisi non distruttive e archeometria del Dipartimento di Scienze Ingegneristiche di Base e Applicate dell’Università. Dal 2007 svolge attività di divulgazione scientifica sulla cultura del bello nell’antica Roma, tenendo eventi culturali presso musei, siti archeologici, università e scuole di ogni ordine e grado in Italia e in Europa. Ha potuto inoltre partecipare a sessioni di monitoraggio e catalogazione di reperti archeologici sotto la supervisione della Soprintendenza Archeologica, alle GEP (Giornate Europee del Patrimonio) e a eventi organizzati dal Museo di Storia della Medicina dell’Università Sapienza.

La fiesta Nacional de España

Cada 12 de octubre, en España se celebra la Fiesta Nacional de España, un día dedicado a celebrar la cultura española. Además, esta fiesta conmemora la llegada de Cristóbal Colón al Nuevo Mundo en 1492, un evento que marcó el inicio de una era de exploración global. La fiesta comienza con una ceremonia oficial en la ciudad de Madrid, con un desfile militar y la participación de los miembros de la familia real, símbolo de la devoción a la nación. 

Durante este día especial, en toda España se llevan a cabo eventos culturales con espectáculos de danza, conciertos de música tradicional, ferias y mercados, recordando todas las tradiciones típicas españolas. Además, las escuelas también participan organizando eventos educativos y artísticos que involucran a los jóvenes y promueven la conciencia cultural. Es un momento especial para reflexionar sobre la identidad nacional española.

En este día, las tradiciones de cada región se destacan a través de manifestaciones folclóricas que reflejan la diversidad cultural del país. Desde el baile flamenco en Andalucía hasta las tradiciones catalanas, la fiesta es una oportunidad para celebrar la riqueza y la variedad de las culturas que componen España. Esta fiesta es también una oportunidad para reunirse. Reúne a los españoles, uniendo diferentes generaciones y culturas bajo un sentimiento común de pertenencia y orgullo nacional.

El 12 de octubre representa un día de celebración y reflexión para España. A través de ceremonias oficiales, eventos culturales y celebraciones locales, la Fiesta Nacional de España honra una historia rica y variada, celebrando la unidad y la diversidad que definen a la nación.

L’autrice

Alba di Egness, madrelingua spagnola, laureata in economia e con un master in marketing, si trasferisce in Italia nel 2016 e si specializza nell’insegnamento dello spagnolo per studenti di madrelingua italiana. Content creator e Fondatrice dell’Accademia Egness, la prima scuola online di spagnolo per italiani.

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Solidarietà: un valore irrinunciabile

Il 20 dicembre si celebra la Giornata Internazionale della Solidarietà Umana, una ricorrenza istituita dall’ONU per sensibilizzare l’opinione pubblica e incoraggiare l’impegno verso la solidarietà. Per chi lavora nella scuola, ovviamente, si tratta di uno dei valori fondamentali ai quali ispirare l’attività quotidiana perché la solidarietà rappresenta un principio essenziale per il rispetto reciproco, la cooperazione e la convivenza civile.

Insegnare la solidarietà ai bambini, specialmente in un contesto scolastico, è infatti fondamentale per la crescita di cittadini responsabili, empatici e attivi. Questa giornata è quindi un’opportunità perfetta per introdurre nelle aule attività che stimolino i piccoli studenti e le piccole studentesse a riflettere sull’importanza di aiutarsi a vicenda, accettarsi e collaborare. 

La Giornata della Solidarietà: cifre e contesto

La Giornata Internazionale della Solidarietà Umana è stata istituita nel 2005 dalle Nazioni Unite, con l’obiettivo di sostenere i valori della solidarietà e della cooperazione globale. Da allora, numerosi Paesi e organizzazioni non governative celebrano questa data con attività di sensibilizzazione, eventi di beneficenza e progetti comunitari.

Secondo le Nazioni Unite, circa il 10% della popolazione mondiale vive in condizioni di estrema povertà, e milioni di persone soffrono per mancanza di cibo, accesso all’acqua potabile e servizi sanitari di base. Attraverso iniziative di solidarietà, l’ONU si propone di promuovere progetti di sviluppo sostenibile e inclusivo. Coinvolgere i bambini in attività pratiche che esaltano l’importanza della solidarietà può contribuire a sensibilizzare le future generazioni, fornendo loro strumenti e valori fondamentali per il futuro.

Attività pratiche per insegnare la solidarietà ai bambini

Ecco quattro proposte di attività pratiche che si possono realizzare in classe per celebrare la Giornata Internazionale della Solidarietà Umana. Ciascuna di esse è pensata per rendere l’apprendimento significativo e coinvolgente.

1. La catena della gentilezza – Attività creativa

In questa attività, ogni bambino scrive su una striscia di carta un messaggio di “impegno” improntato alla gentilezza e al supporto reciproco. Il messaggio dovrebbe rappresentare un’azione concreta e solidale, possibilmente attuabile in un tempo relativamente breve. Ad esempio, i bambini possono scrivere cose come: “Oggi aiuterò un compagno a…” o “Mi impegnerò ad ascoltare gli altri…”, “Oggi dividerò la merenda con…”, “Oggi preparerò lo zaino a…”.

Quando tutti i bambini avranno scritto i loro messaggi, ogni striscia di carta verrà incollata alle altre in modo da formare un anello, una lunga catena della gentilezza che unirà idealmente tutta la classe. Alla fine della giornata, sarà possibile verificare che gli impegni siano stati realmente mantenuti. La catena rappresenterà visivamente la forza della collaborazione e della solidarietà all’interno del gruppo. Questo semplice esercizio insegna ai bambini che, quando uniamo le nostre piccole azioni, possiamo ottenere grandi risultati.

Obiettivi: Sviluppare l’empatia e la consapevolezza delle piccole azioni solidali che ciascuno può compiere per migliorare il mondo attorno a sé.

2. Io aiuto te, tu aiuti me – Attività motoria

Questa attività mira a far sperimentare ai bambini l’importanza del sostegno reciproco in modo divertente e dinamico. I bambini affronteranno un percorso ad ostacoli con un oggetto appoggiato sulla testa (può bastare un semplice libro). Nessuno può toccare il proprio oggetto, mentre possono farlo i compagni di classe. Obiettivo del gioco è fare in modo che tutti arrivino in fondo al percorso composto in modo più o meno difficile in base all’età. L’attività può essere svolta, qualora l’insegnante lo ritenga più opportuno, anche con piccoli gruppi di bambini. I bambini scopriranno presto che per completare il percorso è essenziale collaborare e supportarsi a vicenda.

Questa attività non solo rafforza la cooperazione e la solidarietà, ma permette anche di sviluppare capacità motorie e promuovere il movimento, aspetto fondamentale di ogni attività.

Obiettivi: Stimolare il lavoro di squadra e l’aiuto reciproco, far comprendere l’importanza di includere tutti e non lasciare nessuno indietro.

3. Solidarietà  anche digitale – Creazione di una “mappa della gentilezza”

Per sfruttare le tecnologie digitali in modo costruttivo, proponiamo un’attività in cui gli studenti creeranno una “mappa della gentilezza” utilizzando un software semplice come Google My Maps o, se non disponibile, un grande cartellone digitale collaborativo come Padlet.

Ogni bambino dovrà individuare e segnalare un luogo della propria città dove qualcuno ha compiuto un’azione di gentilezza o solidarietà. Potrebbero riportare, ad esempio,una raccolta di “episodi solidali” opportunamente ricercati online o vissuti sul territorio (come un banco alimentare vicino alla scuola, un luogo di raccolta di abiti per persone in difficoltà, o un centro di supporto per animali abbandonati). Ogni segnalazione sarà arricchita con una breve descrizione dell’attività solidale svolta o osservata.

Alla fine, la mappa sarà una rappresentazione concreta dei luoghi dove si promuove la solidarietà nella loro comunità. Sarà interessante per i bambini vedere che la solidarietà è attorno a loro e che anche loro possono contribuire a farla crescere.

Obiettivi: Familiarizzare con strumenti digitali collaborativi, sviluppare consapevolezza sociale e geografica, e promuovere la ricerca attiva di esempi di solidarietà.

4. Storie di solidarietà – Lettura e riflessione

Questa attività è perfetta per i momenti di lettura condivisa. L’insegnante sceglierà racconti o brevi storie che abbiano come tema la solidarietà e l’aiuto reciproco. Sapendo di far torto a molti autori e autrici abbiamo scelto “La  Bambina che Ascoltava gli Alberi” di Natasha Farrant e Lydia Corry, la storia di una bambina che decide di proteggere un albero.

Dopo la lettura, la classe si riunirà in cerchio per discutere insieme. L’insegnante potrà guidare la discussione ponendo domande come: “Perché è importante aiutare gli altri?” o “Come ci fa sentire quando facciamo qualcosa di buono per qualcuno?”. I bambini potranno poi raccontare episodi della propria vita in cui hanno aiutato qualcuno o in cui sono stati aiutati.

Questa attività invita alla riflessione e permette ai bambini di esprimere e condividere i loro sentimenti e pensieri, rafforzando la consapevolezza che anche piccoli gesti possono avere un grande impatto.

Obiettivi: Promuovere la riflessione critica, sviluppare l’empatia e il dialogo, e incoraggiare i bambini a riflettere su esperienze reali di solidarietà.

Conclusione

La Giornata Internazionale della Solidarietà Umana è un’occasione preziosa per insegnare ai bambini il valore dell’aiuto reciproco, della gentilezza e della cooperazione. Attraverso queste attività pratiche e divertenti, la solidarietà può diventare un concetto vivo e concreto anche per i più piccoli. Coltivare il senso di appartenenza e la responsabilità verso gli altri è essenziale per costruire una società futura più inclusiva e rispettosa. E aspettando Natale, non possiamo immaginare nulla di più bello. 

Thanksgiving in abbondanza

Quando arriva Novembre, nei Paesi di lingua anglosassone del Continente Americano, in particolare negli Stati Uniti, la parola d’ordine è una sola: Thanksgiving. Il giorno del Ringraziamento, oltre a un’occasione per riflettere sulla gratitudine e sui sentimenti di comunanza e fratellanza che ci avvicinano agli altri, è anche, sempre più, un momento per celebrare i doni della terra, l’abbondanza della Natura, il rispetto nei confronti di un pianeta che ci dona ciò di cui abbiamo bisogno.

Da dove arriva il Thanksgiving?

La storia del Thanksgiving è tanto famosa, quanto circondata di leggenda. La sensibilità moderna sta pian piano allontanandosi dalla “fiaba tradizionale” dei pellegrini aiutati dai “buoni indigeni”, per riscoprire l’aspetto storico più accurato degli eventi che hanno portato a questa celebrazione. Detto questo, l’immagine popolare degli avvenimenti del 1621 è ormai talmente radicata nell’immaginario comune, che è bello ricordarla. Dunque, cosa successe in quegli anni nella colonia di Plymouth?

Nell’estate del 1620 la nave Mayflower partì dall’Inghilterra per il Nuovo Mondo, con un carico di 102 pellegrini che cercavano oltremare una terra in cui poter praticare liberamente la propria religione e i propri riti. Dopo 10 settimane di viaggio, e numerose peripezie, i pellegrini attraccarono sulla Costa Est di quelli che sarebbero diventati gli Stati Uniti d’America e, poco alla volta, fondarono una colonia cui diedero il nome di Plymouth, stabilendo al contempo un importante regolamento per la loro vita in comune, che chiamarono Mayflower Compact.

Il primo inverno per i coloni fu duro e terribile, la scarsa capacità agricola, le conoscenze pressoché nulle del territorio e del clima, il tempo atmosferico avverso provocarono la morte di più della metà dei pellegrini, rischiando di far fallire fin da subito la missione colonizzatrice. Fu solo grazie all’aiuto di alcuni nativi della tribù Patuxet, guidati da Squanto, che gli Inglesi appresero come coltivare il terreno, come procurarsi il cibo dalle foreste del NorthEast, come coltivare abbastanza cibo da poter sopravvivere al nuovo inverno imminente. Proprio per celebrare questa amicizia con le popolazioni locali, e per festeggiare il successo del raccolto, pellegrini e nativi organizzarono una grande festa di Ringraziamento, con un menù quasi completamente a base di prodotti raccolti o allevati nel nuovo Continente, che non si sarebbero trovati in Europa, e che resero questa occasione unica nella storia.

Questa versione della storia, come la maggior parte di quelle che si trovano in giro, è colorata di leggenda. Il ruolo dei nativi americani e l’approccio del pellegrini alla coabitazione è stato, negli ultimi anni, messo molto in discussione. Quello però che, leggenda o storia che si consideri, resta immutato nello spirito del Thanksgiving è il senso di gratitudine per quello che la terra ci offre. Durante le lezioni di Inglese è importante sottolineare questo aspetto e questo punto di vista e, oltre a presentare la storia e parlare delle tradizioni, mettere l’accento sul lato più “ecologico” del giorno del Ringraziamento.

Vediamo come fare.

A THANKSGIVING OF RESPECT – for the Earth and the people on it 

L’occasione del Thanksgiving nell’ottica che stiamo presentando, permette di riflettere su alcuni aspetti profondi di rispetto per le risorse, per la diversità, per ciò che il Pianeta ci mette a disposizione. Allo stesso tempo, lo spunto del Giorno del Ringraziamento, offre la possibilità di utilizzare in maniera pratica il vocabolario della L2

  • MAYFLOWER LUGGAGE: cosa ci porteremmo dietro se, come i pellegrini del Mayflower, lasciassimo la nostra terra per un luogo completamente nuovo e potessimo portarci dietro una sola valigia? Chiediamo ai bambini di disegnare sul quaderno la sagoma vuota di una valigia, grossa come una pagina, e di scrivere al suo interno – in Lingua Target – i nomi di non più di 15 oggetti che ciascuno di loro porterebbe con sé in una circostanza del genere. Questo lavoro non solo permette di riflettere sulla differenza tra bisogno e desideri, ma aiuta anche a mettersi nei panni di tutte quelle persone che, al giorno d’oggi, si trovano in una situazione simile, costrette ad abbandonare le proprie case, a fuggire, a mettersi in viaggio con tutto ciò che hanno di più caro.

VARIAZIONE: chiediamo ai bambini non solo di pensare a cosa porterebbero con sé ORA, ma cosa avrebbero portato se fossero stati dei pellegrini del XVII secolo. Se fossero dovuti davvero salire sul Mayflower, cosa avrebbero portato? Ricordiamo loro che i veri coloni dovettero caricare semi, bestiame, tessuti, utensili di ferro. Anche una macchina da stampa! Aumentiamo il vocabolario in L2 ragionando anche su questi aspetti più legati al passato.

  • PAESE CHE VAI… CIBO CHE TROVI: forse non tutti i bambini sanno che moltissimi dei cibi di cui ci nutriamo oggi non erano assolutamente parte della dieta dei nostri antenati prima della scoperta dell’America. Chiediamo ai bambini di scegliere un ingrediente dalla seguente lista, e di svolgere una breve ricerca sulle sue origini e il suo utilizzo.
    • BEANS
    • TURKEY
    • TOMATO
    • PEPPER
    • BISON
    • PEANUTS
    • SQUASH
    • POTATO
    • PINEAPPLE
    • COCOA
  • LA ZUPPA INDIGENA: con gli ingredienti dell’attività precedente, si possono creare numerosi piatti dal gusto tipico, che probabilmente erano presenti nella dieta dei primi abitanti del Continente Americano, ma che gli Europei hanno scoperto solo a un certo punto della loro storia. Uniamo i bambini in piccoli gruppi e chiediamo loro di scegliere alcuni ingredienti della lista già fornita, per creare la ricetta di una zuppa indigena. In questo modo potremo lavorare sul testo regolativo, ripassare gli elementi essenziali di questo genere testuale, incorporando alcuni obiettivi di Lingua Italiana. Chiediamo agli alunni di provare a scrivere la loro ricetta in Inglese, fornendo una lista di verbi che potrebbero risultare utili:
    • TO COOK
    • TO STIR
    • TO MIX
    • TO CUT
    • TO PEEL
    • TO BOIL
    • TO WAIT
    • TO BAKE

Una prospettiva diversa

Un approccio al Thanksgiving di questo tipo, che non si concentri solo sulle tradizioni, ma soprattutto sul sentimento di gratitudine per l’abbondanza che la terra ci offre, per ciò che, rispettando il pianeta, possiamo averne in cambio, permette di allenare nei bambini quel “muscolo immaginario” che ci permette di andare oltre, di non dare per scontato, di vedere ciò che non sempre gli occhi vedono. Permette di rendersi conto che ciò che consumiamo arriva sempre da qualche parte, è il frutto del lavoro di qualcuno, è un dono della terra, e che non dobbiamo darlo per scontato. In questo modo sarà più facile allenarsi alla gratitudine, mettendosi nei panni dei pellegrini della colonia di Plymouth, per i quali il solo fatto di trovare alcune bacche nel bosco era motivo di gratitudine. In un  mondo in cui tutto è sempre disponibile e a portata di mano nel supermercato, sviluppare questa consapevolezza è il primo passo per il rispetto per l’ambiente che ci circonda e per il lavoro delle persone intorno a noi.

Le catacombe paleocristiane: un viaggio nel sottosuolo della fede

Le catacombe paleocristiane rappresentano un’affascinante testimonianza della fede e delle pratiche funerarie dei primi cristiani. Queste necropoli sotterranee, scavate in terreni teneri come il tufo, offrono un prezioso spaccato sulla vita religiosa e sociale delle comunità cristiane nei primi secoli dell’era volgare. L’adozione delle catacombe come luoghi di sepoltura da parte dei cristiani risponde a una complessa serie di fattori, tra cui:

  • le persecuzioni: i cristiani, considerati una setta eversiva dall’Impero Romano, spesso subivano persecuzioni e discriminazioni. Le catacombe offrivano un luogo sicuro e appartato per seppellire i propri defunti.
  • Il culto dei martiri: i martiri, cioè coloro che morivano per la fede, erano venerati dai cristiani. Le catacombe divennero così luoghi di culto e di pellegrinaggio, dove si conservavano le reliquie dei martiri. 
  • Il simbolismo: le catacombe erano cariche di significati simbolici. L’oscurità delle gallerie rappresentava la morte, mentre i dipinti murali e le iscrizioni alludevano alla speranza nella resurrezione e alla vita eterna.

Struttura e decorazioni

Generalmente caratterizzate da una struttura labirintica, con lunghe gallerie (ambulacri) e numerose nicchie (loculi) scavate nelle pareti le catacombe sono ricoperte con decorazioni, prevalentemente di carattere religioso, che includono affreschi raffiguranti scene bibliche (come il Buon Pastore, l’Oratio, l’Eucaristia), simboli cristiani (licthus, l’anfora, la colomba) e motivi ornamentali; iscrizioni, ovvero brevi testi in greco o latino, che spesso contengono il nome del defunto, la sua professione e formule di preghiera.

Le catacombe come fonte storica

Oltre all’eccezionale valore religioso, le catacombe costituiscono una fonte primaria di inestimabile valore per lo studio della storia del cristianesimo primitivo. Attraverso l’analisi delle decorazioni, delle iscrizioni e della disposizione dei sepolcri, gli archeologi hanno potuto ricostruire non solo aspetti importanti della vita religiosa ma anche particolarità dell’organizzazione sociale e culturale dei primi cristiani.

Le catacombe più famose

Tra le catacombe più note si annoverano quelle di Roma (San Callisto, Priscilla), Napoli (San Gennaro) e Palermo. Ognuna di esse presenta caratteristiche peculiari e offre un’affascinante testimonianza della diffusione del cristianesimo nel Mediterraneo.

In conclusione, le catacombe paleocristiane rappresentano un patrimonio archeologico e storico di inestimabile valore. Questi luoghi sotterranei, carichi di storia e di spiritualità, offrono ai visitatori moderni un’esperienza unica e toccante, consentendo di entrare in contatto diretto con le radici più profonde e antiche del cristianesimo.

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Dentro il vortice dell’iperalimentazione

L’iperalimentazione è un fenomeno sempre più diffuso nelle società occidentali, con gravi ripercussioni sulla salute pubblica. Le cause di questa perdita di controllo sull’appetito sono multifattoriali e coinvolgono, tra gli altri, fattori biologici, genetici, ambientali e culturali. Durante il percorso formativo svolto dagli studenti degli Istituti Alberghieri, dato che la prospettiva professionale è quella di diventare Operatori del Settore Alimentare (OSA), può essere molto utile, per il docente di Scienza e Cultura dell’Alimentazione, moderare una discussione attorno alla questione “perché abbiamo sempre fame?”.

Le diverse chiavi di intervento, di seguito proposte, si prestano a diventare oggetto di approfondimento multidisciplinare e di confronto tra i discenti. Questi ultimi, per ciascuno dei fattori oggetto di discussione, potrebbero essere invitati a discutere sulle potenziali soluzioni che potrebbero essere adottate tanto nella sfera privata quanto, se dovessero presentarsi margini di intervento, nella sfera professionale. Esploriamo, pertanto, alcuni percorsi didattici che possono essere intrapresi per stimolare una discussione in classe.

La fame come “fenomeno metabolico-genetico”

Per anni, si è creduto che l’iperalimentazione fosse semplicemente un problema psicologico, un modo per soddisfare bisogni emotivi inespressi. Tuttavia, la ricerca scientifica ha rivelato un quadro molto più complesso, svelando i meccanismi biochimici che regolano l’appetito e la sensazione di sazietà. Un’ipotesi sempre più accreditata sostiene che l’iperalimentazione sia una conseguenza di una carenza nutrizionale. Le diete ricche di alimenti processati, povere di nutrienti essenziali come vitamine, minerali e proteine, possono innescare una fame persistente. Il corpo, cercando di compensare queste carenze, ci spinge a mangiare in eccesso.

Sempre maggiore attenzione, inoltre, viene rivolto al ruolo di alcuni ormoni. La leptina, un ormone prodotto dalle cellule adipose, svolge un ruolo cruciale nel segnalare al cervello che abbiamo mangiato abbastanza. La leptina è un ormone che segnala al cervello lo stato di sazietà. Tuttavia, un’alimentazione eccessiva e prolungata può desensibilizzare i recettori cerebrali alla leptina, compromettendo così la percezione della sazietà. Il nostro corpo, più precisamente, produce sempre più leptina, ma le cellule smettono di rispondere. È come gridare a qualcuno che non ti sente. Anche l’insulina, un altro ormone importante per regolare i livelli di zucchero nel sangue, smette di funzionare correttamente. Quando questi due problemi si presentano insieme, si parla di sindrome metabolica.

Questa condizione aumenta il rischio di diabete, malattie cardiovascolari e altre patologie gravi. Anche la nostra predisposizione genetica gioca un ruolo importante nell’obesità. Alcuni geni possono influenzare il nostro metabolismo e la nostra capacità di immagazzinare grasso. Tuttavia, l’ambiente in cui viviamo, le nostre abitudini alimentari e il nostro stile di vita hanno un impatto ancora maggiore. Mangiare troppo spesso e male, pertanto, può portare a un circolo vizioso: più mangiamo, più il nostro corpo diventa resistente ai segnali di sazietà, e di conseguenza mangiamo ancora di più. Questo può portare a obesità e a una serie di problemi di salute. In sintesi: la fame eccessiva può essere causata da un malfunzionamento del sistema che regola l’appetito e la sazietà.

La fame “batterica”

Il corpo umano è un intricato ecosistema, un motore biologico alimentato da una complessa interazione tra cellule umane e miliardi di batteri. Questa simbiosi è alla base della nostra capacità di rigenerarci continuamente. La dieta, selezionando specifici tipi di batteri intestinali, influenza profondamente il nostro metabolismo e, di conseguenza, la nostra salute. La sindrome metabolica, ad esempio, è un disturbo complesso in cui dieta e batteri intestinali giocano un ruolo fondamentale. I batteri, in particolare i Firmicuti, possono alterare il nostro metabolismo, aumentando il desiderio di cibi zuccherati e favorendo l’obesità. Questa ‘fame batterica’ influenza sia la nostra fisiologia che la nostra psicologia, contribuendo a un circolo vizioso che può portare alla malattia. La scoperta del ruolo fondamentale del microbiota intestinale nella nostra salute, pertanto, apre nuove prospettive per la prevenzione e la cura di molte malattie. 

La fame “farmacologica”

Molti farmaci di uso comune possono aumentare l’appetito, portando ad un aumento di peso. Questo effetto è spesso sottovalutato, soprattutto quando si tratta di malattie croniche che prevedono lunghi periodi di assunzione farmacologica. Gli antibiotici utilizzati per combattere le infezioni, ad esempio, possono alterare il microbiota intestinale. Questo squilibrio può stimolare la produzione di ormoni, come la grelina, in grado di aumentare lo stimolo dell’appetito. 

Le altre categorie di farmaci in grado di spingere un soggetto all’iperalimentazione appartengono alle seguenti categorie:

  • antistaminici, farmaci utilizzati per le allergie, possono stimolare la produzione di dopamina, un neurotrasmettitore legato al piacere e al desiderio di cibo;
  • antidepressivi, possono aumentare l’appetito come effetto collaterale;
  • antipertensivi, possono interferire con la produzione di insulina, favorendo l’accumulo di grasso;
  • corticosteroidi e contraccettivi orali, sono in grado di stimolare l’appetito e favorire la ritenzione idrica.

È fondamentale che gli studenti comincino ad acquisire informazioni corrette per fare scelte alimentari consapevoli e promuovere uno stile di vita sano. Gli spunti per l’insegnamento di “Scienza e Cultura dell’Alimentazione” che conseguono da quanto riportato sopra sono molteplici:

  • alimentazione e salute: sottolineare l’importanza di un’alimentazione equilibrata per mantenere un microbiota intestinale sano prevenire malattie legate al metabolismo;
  • probiotici e prebiotici: invitare gli studenti a riflettere sul ruolo dei probiotici (batteri “buoni”) e dei prebiotici (fibre alimentari che nutrono i batteri buoni) nella promozione della salute intestinale e di come, nella vita professionale, possono rendere concrete le con conoscenze acquisite;
  • relazione tra mente e intestino: evidenziare come l’intestino e il cervello siano in costante comunicazione e come l’alimentazione possa influenzare il nostro umore e il nostro benessere psicologico. Valutare, in questo contesto, quali implicazioni professionali si prospettano per le scelte che gli OSA si troveranno ad operare; 
  • educazione alimentare: incoraggiare gli studenti a fare scelte alimentari consapevoli, a leggere con attenzione la lista degli ingredienti e le informazioni nutrizionali riportate nelle etichette degli alimenti processati in modo tale da valutare gli alimenti che consumano non soltanto in funzione delle loro caratteristiche sensoriali.

L’autore

Luca La Fauci è autore, per Rizzoli Education, di testi scolastici dedicati alle discipline Scienza e Cultura dell’Alimentazione e Scienza degli Alimenti.

Sulle Pareti della Storia

“Papà, guarda, bisonti!” 

Con queste parole, pronunciate nel 1879 da una bambina di 8 anni, Maria, è stata riscritta la storia dell’arte. Maria era la figlia di un archeologo dilettante, don Marcelino Sanz de Sautuola e stava indicando al padre i bisonti dipinti della grotta di Altamira, nel nord della Spagna, oggi uno degli esempi più emblematici di arte preistorica mai scoperti in Europa.

Il vibrante rosso ruggine dei corpi dei bisonti dipinti era così ben conservato che l’archeologo fu accusato di aver tracciato egli stesso quelle meravigliose rappresentazioni, a caccia di notorietà. Gli storici dell’epoca erano comprensibilmente scettici di fronte a quelle immagini, che non ritenevano possibile essere state tracciate dalle mani di uomini del 13.000 a.C., che significa tre volte più antichi di Stonehenge o delle piramidi di Giza. 

Quando parliamo di arte rupestre, ci riferiamo a quelle straordinarie rappresentazioni che i nostri lontani antenati hanno lasciato sulle pareti di grotte e caverne in tutto il mondo. Queste opere, tracce vive della creatività dell’uomo preistorico, sono come finestre aperte su un passato affascinante e misterioso, un tempo in cui l’essere umano cercava di interpretare e raccontare il mondo circostante attraverso il segno e il colore.

Ma cosa rappresenta davvero l’arte rupestre? Quali segreti si celano dietro queste antiche testimonianze? Quali tecniche e materiali venivano utilizzati per creare immagini capaci di attraversare i millenni? E quale significato avevano per le culture che le hanno prodotte? Questi interrogativi ci guidano in un viaggio senza tempo, alla scoperta delle radici profonde dell’arte e del rapporto tra l’uomo e il suo ambiente.

L’arte rupestre è una delle più antiche forme di espressione artistica conosciuta dall’umanità, risalente al periodo del Paleolitico, che si estende da circa 40.000 anni fa fino a 10.000 anni fa, con una continuazione anche nel Neolitico, fino a circa 3.000 anni fa. La datazione di queste pitture è spesso incerta a causa della possibile contaminazione dei campioni, che può alterare i risultati dei metodi come il radiocarbonio.

Nel dicembre 2019, sono state scoperte a Sulawesi (Indonesia) pitture rupestri risalenti a 35.000-44.000 anni fa. Un anno dopo, un dipinto nella grotta di Leang Tedongnge, datato con il metodo uranio-torio, è risultato essere di almeno 45.500 anni, diventando il più antico esempio noto di arte figurativa umana. Durante il Paleolitico, l’uomo viveva principalmente di caccia e raccolta, spostandosi in base alle stagioni e alle disponibilità di risorse naturali. Le grotte e le caverne non solo offrivano rifugio, ma erano anche luoghi di incontro, di vita sociale e, come dimostrano le pitture rupestri, di espressione creativa.

Gli artisti preistorici utilizzavano le pareti di queste cavità naturali come tele su cui rappresentare il mondo che li circondava: gli animali che cacciavano, le scene di vita quotidiana e, forse, anche simboli legati a credenze religiose e rituali. Oltre ai dipinti murali, l’arte preistorica comprendeva anche sculture, incisioni su pietra e osso, ma è proprio l’arte rupestre a rappresentare la forma di espressione più diffusa e più affascinante, per via delle tecniche utilizzate e della sua collocazione nei siti naturali.

I soggetti rappresentati più frequentemente nelle pitture rupestri sono grandi animali selvatici, come bisonti, cavalli, uri (gli antenati delle nostre vacche domestiche) e cervi, insieme a impronte di mani umane e motivi astratti noti come “scanalature delle dita”. Sebbene queste specie animali fossero idonee alla caccia da parte dell’uomo, non sempre corrispondevano alle prede effettivamente consumate, come dimostrano i resti ossei rinvenuti nei siti archeologici. Un esempio è dato dai pittori di Lascaux, che hanno lasciato prevalentemente ossa di renna, mentre questa specie non è raffigurata nelle pitture, dove predominano, invece, i cavalli. Le rappresentazioni umane, erano rare e stilizzate, contrariamente alla maggiore precisione riservata agli animali.

La Tavolozza Naturale dell’Artista Preistorico: Materiali e Pigmenti

Uno degli aspetti più straordinari dell’arte rupestre è l’uso creativo che gli artisti preistorici facevano dei materiali naturali. Privi di strumenti sofisticati, si affidavano completamente ai pigmenti reperibili nell’ambiente circostante. La gamma cromatica di cui disponevano era sicuramente limitata rispetto a quella moderna, ma i risultati sono senza dubbio degni di nota. Gli artisti preistorici utilizzavano una gamma cromatica composta principalmente da quattro colori: bianco, rosso, giallo e nero e loro sfumature.

Questi pigmenti venivano ottenuti da minerali e terre naturali e applicati alle pareti delle grotte attraverso tecniche diverse, a seconda delle risorse disponibili e del contesto ambientale. Ad esempio, gli uomini del Paleolitico usavano la calcite (CaCO₃) come pigmento bianco, un minerale composto da carbonato di calcio, generalmente di origine sedimentaria. Il colore bianco poteva essere ricavato anche dalla caolinite, da rocce silicee e dalle ossa degli animali. Altri colori, come rossi e gialli venivano ottenuti dalla lavorazione di ocre, miscele di argilla e ossidi di ferro.

L’ocra è una classe di geomateriali più comunemente costituiti da argilla, silice e ossidi di ferro. Di solito è ricca di ossidi di ferro, che si presentano in diverse forme cristalline. Le ocre rosse, in particolare, erano tra i pigmenti più utilizzati in Europa e Africa, e a seconda della concentrazione di ossido di ferro potevano assumere tonalità che variavano dal giallo pallido al rosso intenso. Quelli principalmente usati nell’arte parietale erano l’ematite, la goethite e la limonite.

L’ematite (Fe2O3) prende il nome dal termine greco che significa “sangue”, per il suo colore che ricorda il sangue coagulato. Dall’ematite si ottengono per esempio i toni del rosso tipici dei disegni della grotta di Altamira (Spagna) e di Lascaux (Francia). La goethite, invece, è un minerale composto da idrossido di ferro, con un colore che può variare dal giallo bruno al nero. Il suo nome è un omaggio a Johann Wolfgang von Goethe, tra i primi ad occuparsi di teoria del colore. Un importante giacimento di goethite, sfruttato già nel Paleolitico, si trova nei pressi della Grotta della Monaca, in provincia di Cosenza.

Da questo minerale si ottenevano pigmenti caratterizzati da tonalità che spaziavano dal bruno all’ocra. La limonite, invece, indica un ossido idrato di ferro contenente un certo numero di molecole di acqua che si forma per disfacimento di minerali ferrosi. E’ di fatto una miscela di minerali e materiali amorfi. I colori variano dal giallo ocra al marrone. Per quanto riguarda, in ultimo, i toni del nero, questi venivano ottenuti dalla combustione di sostanze organiche, come il carbone, il legno, l’osso o il corno, oppure da minerali come l’ossido di manganese. In alcune regioni, veniva anche utilizzato il biossido di manganese, che conferiva al pigmento nero una tonalità più intensa e resistente.

Il rosso: il primo colore

Va fatta una considerazione particolare sul colore rosso. Il rosso è il colore archetipico, il primo che l’uomo abbia effettivamente ottenuto e padroneggiato. Per millenni il rosso è stato l’unico colore degno di tale nome e infatti spesso “colore”, “bello” e “rosso” sono sinonimi in diverse lingue. Proprio su questo colore l’uomo ha fatto i primi esperimenti e costruito il suo universo cromatico. Proprio sul rosso sono state studiate per la prima volta le sfumature.

Prima di dipingere l’uomo ha iniziato a tingere e dipingersi il corpo. Il rosso ha avuto presto un ruolo importante nelle pratiche ornamentali e nei “letti” color ocra rosso trovati tra gli arredi funerari di alcune tombe. Il colore aveva probabilmente lo scopo di proteggere il defunto durante il suo viaggio, dato che era un colore considerato “magico”, ma è palese che i rossi nella preistoria hanno una triplice funzione: deittica, preservativa ed estetica. In quell’epoca uomini e donne si distinguevano, proteggevano ed abbellivano con il rosso.

Le recenti analisi mostrano come certe ocre gialle venissero scaldate in crogioli di pietra in modo da far perdere loro l’acqua, in modo da trasformarle in ocre rosse. Allo stesso modo, alcuni pigmenti erano arricchiti da sostanze allo scopo di modificarne il colore coprente. Possiamo quasi parlare di chimica: un conto è bruciare legna e fare del carbone per ottenere il nero, ma un altro è estrarre dal suolo l’ematite, lavarla, filtrarla, ridurla in polvere in un mortaio, mescolarla con il feldspato e l’olio vegetale o il grasso animale per dare sfumature diverse. Forse non possiamo parlare di vere e proprie ricette, ma è difficile da dire, dal momento che quello che vediamo è il risultato del tempo e non possiamo vedere lo stato originale. 

I leganti

Oltre ai pigmenti, gli artisti preistorici impiegavano vari leganti naturali per fissare i colori alle superfici rocciose, come grassi animali, resine, cere e sangue. Questi venivano mescolati ai pigmenti per ottenere vernici più resistenti, favorendo una migliore adesione alle pareti e garantendo la conservazione delle opere per millenni. Spesso, i colori venivano preparati con acqua naturalmente ricca di calcio, che assicurava resistenza e aderenza.

Tuttavia, per questi straordinari dipinti venivano utilizzate anche sostanze oleose o grasse, come albume d’uovo, grasso animale, cere o sangue, che fungevano da agenti agglomeranti. La superficie scabra delle grotte faceva il resto, essendo perfettamente adatta a far sì che il composto di pigmento e legante restasse perfettamente adeso. Non solo, favoriva anche gli effetti tridimensionali delle pitture, grazie alle ombre che vi si formavano a seconda dell’incidenza della luce.

La Disponibilità Regionale dei Materiali

La disponibilità di questi materiali pittorici variava notevolmente da una regione all’altra, influenzando le caratteristiche cromatiche delle opere d’arte rupestre. In Europa occidentale, ad esempio, le ocre rosse erano particolarmente diffuse, dando origine a pitture caratterizzate da tonalità calde e vibranti. In altre aree, come l’Africa e l’Australia, si utilizzavano una gamma più ampia di pigmenti, con diverse sfumature di rosso, giallo e nero.

Strumenti e Tecniche: La Creatività del Mondo Preistorico

Nonostante la semplicità apparente dei materiali e degli strumenti a disposizione, l’arte rupestre è un esempio straordinario di abilità tecnica e creatività. Gli artisti preistorici utilizzavano diverse tecniche per applicare i pigmenti alle pareti delle grotte, dimostrando una profonda comprensione delle proprietà dei materiali e delle superfici rocciose. Gli strumenti utilizzati per dipingere variavano a seconda delle risorse disponibili e del tipo di pittura che si desiderava realizzare. Spesso dipingevano semplicemente con le dita, che consentivano loro di dosare il colore e creare linee sottili o spesse secondo necessità.

Per un’applicazione più precisa, impiegavano pennelli rudimentali fatti con peli di animali, erbe, muschio o fibre vegetali, legati a bastoncini o ossa, ottenendo così tratti uniformi e dettagliati. Per coprire aree estese o creare sfumature, usavano tamponi di muschio o pelle, che garantivano una stesura morbida e omogenea del pigmento. Un’altra tecnica consisteva nel soffiare il colore attraverso tubi o ossa cave, generando un effetto nebulizzato ideale per ampie superfici e ombreggiature delicate.

Oltre agli strumenti, gli artisti svilupparono vari metodi per ottenere effetti visivi complessi. Molte pitture rupestri sono realizzate a mano libera, con figure tracciate direttamente sulla roccia, variando dai contorni semplici a rappresentazioni dettagliate. Per dare profondità e dinamismo, sovrapponevano i colori e li sfumavano, come nell’uso dell’ocra rossa con linee nere sovrapposte per evidenziare i contorni e creare contrasto. Inoltre, sfruttavano le irregolarità della roccia, utilizzando sporgenze naturali per enfatizzare parti del disegno, come la testa o il corpo di un animale, conferendo così un effetto tridimensionale e un senso di movimento.

L’Interpretazione Simbolica: Significati e Funzioni delle Pitture Rupestri

Un aspetto cruciale dell’arte rupestre, che affascina studiosi e archeologi, è la sua possibile funzione simbolica. Sebbene non possiamo sapere con certezza cosa rappresentassero queste pitture per chi le realizzava, sono state formulate numerose teorie sulle motivazioni che spingevano gli uomini preistorici a decorare le pareti delle grotte.

Teoria della Magia della Caccia

Una delle ipotesi più diffuse è che le pitture rupestri fossero legate a riti propiziatori per la caccia. Secondo questa teoria, le rappresentazioni di animali sulle pareti delle grotte avevano un significato magico-religioso: gli artisti dipingevano gli animali per garantirsi il successo nella caccia, come se la loro raffigurazione potesse influenzare il mondo reale. In questo contesto, l’arte rupestre assumeva una funzione rituale e spirituale, un modo per interagire con le forze della natura e per garantirsi la sopravvivenza.

Teoria della Fertilità

Un’altra teoria suggerisce che le pitture rupestri fossero legate a riti di fertilità, non solo della terra ma anche degli esseri umani e degli animali. In alcune pitture, si osservano figure stilizzate di esseri umani in posizioni che potrebbero richiamare simboli di fertilità o di nascita. Questo potrebbe indicare che l’arte rupestre non rappresentava solo la caccia e la vita quotidiana, ma anche un desiderio di garantire la prosperità della comunità e la continuità della specie.

Significato Astronomico e Calendario

Recentemente, alcuni studiosi hanno proposto che alcune pitture rupestri possano avere un significato astronomico. Secondo questa teoria, le rappresentazioni di animali e simboli potrebbero corrispondere a costellazioni o eventi stagionali, e l’arte rupestre potrebbe essere stata utilizzata come una sorta di calendario preistorico. Le posizioni delle stelle e dei pianeti potevano essere osservate e interpretate dagli artisti per prevedere i cicli stagionali, le migrazioni degli animali e altre informazioni cruciali per la sopravvivenza della comunità.

Funzione Sociale e Identità di Gruppo

Oltre al loro possibile significato religioso o rituale, le pitture rupestri potrebbero avere avuto anche una funzione sociale, rappresentando l’identità e i valori di un gruppo specifico. Le grotte decorate potevano essere luoghi di incontro e celebrazione per le comunità, e l’arte rupestre poteva fungere da simbolo di appartenenza a un gruppo o a una tribù. In questo senso, l’arte non era solo un’espressione individuale, ma anche collettiva, con un forte significato culturale e sociale.

I Grandi Siti dell’Arte Rupestre: Casi Studio

Per comprendere meglio l’importanza e la varietà dell’arte rupestre, esaminiamo alcuni dei più importanti siti archeologici del mondo, famosi per la straordinaria qualità delle pitture conservate al loro interno.

Le Grotte di Lascaux (Francia)

Le Grotte di Lascaux, scoperte casualmente nel 1940 in Francia, sono considerate uno dei tesori più preziosi dell’arte rupestre paleolitica. Le pareti delle grotte sono decorate con oltre 600 pitture e incisioni che risalgono a circa 17.500 anni fa, durante il Paleolitico superiore. Le pitture rappresentano principalmente animali, come bisonti, cavalli, cervi e tori, ritratti con un realismo sorprendente. Una delle sale più famose è la Sala dei Tori, che ospita un ciclo di dipinti raffiguranti un grande gruppo di bovini in movimento.

Le tecniche utilizzate per realizzare le pitture di Lascaux sono particolarmente affascinanti. Gli artisti preistorici utilizzavano pigmenti naturali come ocra rossa e gialla, nero (ottenuto da ossidi di manganese e carbone) e bianco (da calcare o argille). I colori venivano applicati con pennelli rudimentali, tamponi di muschio o soffiati attraverso ossa cave, creando effetti di profondità e dinamismo. Gli studi più recenti hanno rivelato che per ottenere alcune tonalità particolari, gli artisti di Lascaux utilizzavano ossa di animali cotte ad alte temperature, un processo che dimostra una conoscenza sofisticata dei materiali e dei processi a cui andavano incontro

Purtroppo, l’apertura al pubblico delle grotte nel XX secolo ha causato danni irreparabili alle pitture, dovuti a umidità e anidride carbonica prodotta dai visitatori. Per proteggere questo inestimabile patrimonio, le grotte sono state chiuse al pubblico nel 1963, e oggi è possibile visitare una replica fedele, Lascaux II, che permette di ammirare queste meraviglie senza danneggiare gli originali.

Grotta di Altamira (Spagna)

La Grotta di Altamira, situata in Cantabria, Spagna, è un altro straordinario esempio di arte rupestre paleolitica, risalente a oltre 35.000 anni fa. Scoperta nel 1879, questa grotta custodisce pitture parietali che rappresentano principalmente animali, come bisonti, cervi e cavalli, ritratti con grande abilità e precisione. Gli artisti di Altamira sfruttarono le irregolarità della roccia per creare effetti tridimensionali, dando l’impressione che gli animali emergessero dalla parete.

I pigmenti utilizzati nelle pitture di Altamira erano simili a quelli di Lascaux: ocra rossa e gialla, nero (ossidi di manganese) e bianco. Le pitture venivano realizzate a mano libera e i colori venivano stesi con tamponi di pelle o muschio per ottenere effetti morbidi e realistici. Una delle tecniche più sorprendenti utilizzate ad Altamira è la rappresentazione delle mani in negativo, ottenuta soffiando pigmento attorno alle mani appoggiate sulla parete.

Come Lascaux, anche Altamira è stata chiusa al pubblico per proteggere le pitture dall’umidità e dai cambiamenti atmosferici causati dai visitatori. Oggi, una replica della grotta permette di ammirare le pitture senza mettere a rischio le opere originali.

Grotta di Chauvet (Francia)

Scoperta nel 1994, la Grotta di Chauvet, situata nel sud della Francia, è uno dei più importanti siti di arte rupestre paleolitica al mondo. Le pitture e le incisioni che decorano le pareti della grotta risalgono a circa 32.000-36.000 anni fa e rappresentano un’incredibile varietà di animali, tra cui bisonti, mammut, cavalli, leoni, orsi e rinoceronti. Una delle caratteristiche più sorprendenti di Chauvet è la rappresentazione dettagliata e dinamica degli animali, realizzata con un’abilità tecnica straordinaria.

Gli artisti di Chauvet utilizzavano pigmenti naturali come ocra rossa, carbone e ossidi di manganese, applicati con tecniche simili a quelle utilizzate a Lascaux e Altamira. Le pitture erano realizzate a mano libera, con l’aggiunta di tamponi e pennelli rudimentali per creare sfumature e dettagli. A Chauvet, gli artisti preistorici dimostrarono una conoscenza sorprendente della prospettiva e del movimento, sovrapponendo figure e utilizzando linee curve per dare vita a scene complesse.

Come negli altri siti di arte rupestre, anche Chauvet è stata chiusa al pubblico per preservare le pitture dal degrado causato dall’esposizione all’aria e dall’umidità. Una replica della grotta, chiamata Chauvet 2, è stata inaugurata nel 2015 e offre ai visitatori l’opportunità di esplorare questa meraviglia dell’arte preistorica senza danneggiare le opere originali.

L’arte rupestre non è solo un’incredibile eredità culturale, ma anche un ponte che ci collega a chi, migliaia di anni fa, ha cercato di dare forma al proprio mondo, dimostrando che la creatività e il desiderio di esprimersi sono caratteristiche universali dell’umanità.

L’autrice

Eva Munter, su Instagram è Chimica in pillole.

Costruiamo il Calendario dell’Avvento

Il calendario dell’avvento è uno di quei momenti che tutti da bambini e bambine abbiamo avuto modo di sperimentare attraverso un cioccolatino, una frase, un regalino. Si tratta di una tradizione ben radicata anche nelle nostre scuole, dove di solito compaiono i calendari di cartone che contengono piccoli cioccolatini.

L’ anno scorso abbiamo voluto accompagnare gli insegnanti e le classi in questo percorso di attesa attraverso un viaggio di 24 tappe alla scoperta di luoghi lontani.

Il tema del viaggio è un tema forte, che ci parla di tempo, ma anche di crescita, così anche quest’anno abbiamo deciso di mantenere questo tema per accompagnarvi in un’altra avventura, quella alla scoperta del territorio italiano.

24 date, 20 letterine, 4 speciali dedicati alle regioni d’Italia saranno lo sfondo di questo Natale. I contenuti saranno organizzati in uno speciale “Quotidiano dell’Avvento”, un giornalino vero e proprio che potrà essere letto online oppure stampato e nel quale si troveranno la letterina di un bambino/a, informazioni di geografia e scienze sulla regione, una leggenda legata al territorio e un approfondimento sui temi dell’Educazione Civica.

Questo calendario vuole quindi accompagnare i bambini e le bambine in un percorso di presa di conoscenza del proprio territorio, in cui le Regioni sono parte di un intero: l’Italia.

La scoperta di usi e costumi si alterna e intreccia a brevi panoramiche sulla tutela dell’ambiente e il rispetto delle persone.

Ogni giorno una lettera da leggere e commentare; una leggenda da leggere per catturare l’immaginario, informazioni utili di geografia per conoscere il territorio e approfondire temi di educazione civica legati al territorio nazionale.  

Costruiamo il calendario dell’avvento

Considerato che il calendario dell’avvento prevede una tappa in ogni regione italiana, si è deciso di utilizzare la cartina dell’Italia come punto di riferimento per tenere traccia del viaggio.
Per venire in contro alle esigenze di tutti, abbiamo pensato a due diverse tipologie di calendario:

1. POSTER DELL’ITALIA

Questo poster prevede la stampa in formato A3 della cartina italiana muta. Ogni giorno, sarà possibile andare a colorare con matite e pennarelli oppure decorare con glitter, strass e disegnini la regione affrontata. Al termine del percorso tutta la cartina risulterà colorata.

 

Videotutorial

 

2. MAXI CARTINA D’ITALIA

La maxi cartina d’Italia viene realizzata ritagliando le sagome delle singole regioni, disponibili nell’allegato che andrà stampato in formato A3. Una volta ritagliata la sagoma della regione del giorno, essa potrà essere decorata con colori, disegni, glitter o strass. In alternativa è possibile incollare la sagoma su carta o cartoncino colorati oppure su carta da pacco natalizia.

Le singole regioni sono disegnate in modo da incastrarsi come un puzzle. Ogni giorno sarà possibile aggiungere la nuova regione a quelle già attaccate alla parete. Al termine del percorso, sulla parete, sarà possibile ammirare l’intera cartina dell’Italia.

 

Videotutorial

Che Storia! | Public History: avvicinare il passato al presente

A settembre 2024 la giunta di Milano ha accolto la proposta di ragazzi e ragazze tra gli 8 e i 13 anni di intitolare i percorsi dei giardini Montanelli a tre scienziate: l’astrofisica Margherita Hack, la zoologa Dian Fossey e la pioniera della fisica Laura Bassi. Diventate famose in ambito accademico e internazionale in tempi diversi, ora diventeranno protagoniste di uno dei parchi più amati della città. In questo esempio ritroviamo uno degli obiettivi della Public History: avvicinare il passato al presente

COS’È LA PUBLIC HISTORY?

Cos’è la Public History? E perché è importante portarla in classe? Nei corsi di Valerio Castronovo, Milleduemilatrenta e Effetto storia, sono proposte numerose schede dedicate alla Public History.  A cominciare da quella introduttiva che si apre con una definizione di Serge Noiret per il quale la Public History  è “la storia applicata alla società in cui viviamo. Essa consiste nel produrre, conservare e diffondere la storia nel territorio e nel tessuto sociale, con ogni tipo di linguaggio, di strumento e di tecnica, per e con ogni tipo di pubblico”. 

Nel concreto sotto il grande cappello della Public History confluiscono numerose pratiche, numerose attività: le mostre, la letteratura, i film, il gaming, i festival di storia, le rievocazioni storiche, la toponomastica, la valorizzazione dei luoghi, i memoriali e molto altro ancora. 

L’ ASSOCIAZIONE ITALIANA DI PUBLIC HISTORY (AIPH) E SERGE NOIRET

In Italia la Public History è una disciplina relativamente giovane. È nel 2016 che, con il sostegno della International Federation for Public History (IFPH) e della Giunta Centrale per gli Studi Storici, nasce l’Associazione Italiana di Public History (AIPH). Tra i cofondatori e attuale Presidente troviamo Serge Noiret, dottore di ricerca in Storia contemporanea dell’Istituto Universitario Europeo, esperto di storia politica italiana, storia digitale e, ovviamente, Public History. 

In questo video lo studioso traccia una panoramica del mondo della Public History, dalla nascita di questa disciplina in America all’arrivo in Italia, dalle sue pratiche ai suoi obiettivi. La Public History rappresenta una grande risorsa, anzi grandissima per le nuove generazioni di studenti e studentesse perché  “la crescita di una piena e consapevole cittadinanza passa attraverso una più diffusa conoscenza del passato che consenta il riconoscimento di una storia plurale e il superamento dei pregiudizi che si moltiplicano nella contemporaneità”.

LA PUBLIC HISTORY ENTRA NELLE SCUOLE

Come portare dunque la Public History nelle scuole? La strada ci viene indicata dall’AIPH e dall’INDIRE (Istituto Nazionale Documentazione Innovazione Ricerca Educativa) che da tempo si impegnano per creare connessioni tra Public History e didattica e avvicinare le/i giovani alla storia con spirito critico e suscitando interesse, partecipazione, passione.  

In questo webinar Gianfranco Bandini, docente in Metodologia della Ricerca Pedagogica presso l’Università di Firenze insieme a Pamela Giorgi, Primo Ricercatore dell’INDIRE, ci parlano proprio di progettazione di percorsi di apprendimento della storia con i linguaggi partecipati della Public History, dimostrando la forza di una didattica partecipativa piuttosto che puramente trasmissiva. 

STRUMENTI DIDATTICI PER COINVOLGERE STUDENTI E STUDENTESSE DEL TRIENNIO 

Conoscere la storia giova al presente e al futuro: con questa convinzione proponiamo schede operative dedicate alla Public History con spunti di riflessione, approfondimenti, aneddoti per ogni anno del triennio 

TERZO ANNO

Medievalismo e Medioevo immaginario 

Il Medioevo non è mai stato tanto in voga, protagonista di serie TV, fumetti e videogiochi che catturano l’attenzione dei giovani. Nella scheda si approfondisce il tema a partire da qualche dubbio: il Medioevo è visto sia come oscurantista sia come un mitico passato da rievocare. Perché? Quale valore può avere il Medioevo “fantasy”?

 

Cosa significano i nomi delle vie? 

L’odonomastica è una delle pratiche della Public History, che va a ricercare non solo l’origine dei nomi delle strade, ma si interroga anche su presenze e assenze: siamo sicuri che i nomi delle strade siano testimonianza della visione della comunità? Perché i nomi delle strade sono per lo più maschili? 

 

QUARTO ANNO

Garibaldi e un Risorgimento “pop” 

Il culto di Giuseppe Garibaldi come Padre della Patria viene celebrato in mille contesti diversi: piazze, statue, mostre, videogiochi hanno come protagonista indiscusso l’eroe dei due mondi. Quanto aiutano le immagini iconiche a costruire le identità nazionali? La scuola usa propriamente le immagini per esplorare il passato?

 

#cancelculture 

La cancelculture tende a mettere la storia “sotto processo”, a giudicare personaggi e azioni del passato attraverso il punto di vista e le prospettive del presente. Il dibattito su questo approccio è quantomai caldo e attuale. Come rielaborare i miti di un passato che non ci rappresenta più? Come conciliare la rielaborazione sul passato e lo studio della storia a scuola?

 

QUINTO ANNO

La Grande Guerra: una memoria europea condivisa 

Per l’Unione Europea il ricordo del Primo Conflitto Mondiale è ancora capace di parlare all’oggi e di sensibilizzare le nostre coscienze. Ma fare storia in modo “tradizionale” basta a formare una coscienza comune? Quali altri strumenti si possono  mettere in campo per rielaborare una memoria europea condivisa sul conflitto? 

 

Il calendario civile 

Il calendario civile comprende quelle ricorrenze fondamentali celebrate dallo Stato Nazionale, dal potere politico e dalla collettività. Come e perché mutano le festività in base ai cambiamenti politici? Qual è il ruolo della scuola per rendere intelligibile il calendario civile?

 

PER APPROFONDIRE

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