proseguiamo il nostro percorso sui legami tra giochi e matematica iniziato il mese scorso. Nell’articolo di maggio abbiamo parlato della teoria matematica dei giochi, che include anche situazioni della vita quotidiana o professionale che non riconosciamo come ludiche. Questo mese, invece, celebriamo l’inizio delle vacanze con tre veri e propri giochi matematici. Ciascun gioco presenta due domande: una chiede di risolvere un enigma, l’altra di riflettere più a fondo sulle sue proprietà matematiche.
Questioni di eredità
È il XVI secolo. Stai tornando a Baghdad a dorso di cammello dopo una visita alla città di Samarra. Sulla strada incontri tre persone che litigano presso un branco di cammelli. Incuriosito, chiedi loro il motivo del litigio: i tre ti spiegano che sono fratelli e hanno ricevuto in eredità trentacinque cammelli con l’indicazione di darne la metà al fratello maggiore, un terzo al fratello mediano e un nono al fratello più giovane. Però non è possibile effettuare la divisione, siccome 35 non è divisibile né per 2, né per 3, né per 9.
Come puoi risolvere il problema dell’eredità in modo soddisfacente per tutti, guadagnandoci addirittura un cammello?
Come mai è possibile risolvere il problema dell’eredità guadagnando un cammello?
Il problema dell’eredità è raccontato in modo affascinante da Malba Tahan nel romanzo L’uomo che sapeva contare.
Chi sta vincendo?
Nel 1637, un anno prima dell’apertura del Casinò a gestione pubblica della Serenissima Repubblica di Venezia, ti trovi con un compare (o una compare) a giocare illegalmente. Ciascuno di voi sceglie testa o croce, poi si lancia una moneta: chi indovina vince una mano. Il primo giocatore che vince sei mani ha vinto la partita e l’altro gli deve dare un bezzone (una moneta del valore di sei bagattini). A un certo punto del gioco tu hai vinto tre mani e il tuo compare cinque. In quel momento arrivano le guardie e vi costringono a scappare. Prima, però, dovete decidere come spartire la posta.
Chi sta vincendo e perché?
Qual è la somma più equa che dovresti versare al tuo compare, tenendo conto dello stato attuale della partita?
Questo problema e le soluzioni proposte nella storia da diversi matematici sono spiegati dal professor Domingo Paola nella sua presentazione.
Il passaggio impossibile
Ritaglia nel centro di un foglio di carta un foro quadrato i cui lati misurano 7 cm. Poi ritaglia su un cartoncino rigido un cerchio di 11 cm di diametro.
Il diametro del cerchio è maggiore della diagonale del quadrato, eppure c’è un modo per far passare il cerchio attraverso il foro quadrato senza effettuare ulteriori tagli e senza deformare il cartoncino. Riesci a trovarlo?
Qual è il cerchio di diametro massimo che puoi far passare per il foro quadrato senza effettuare ulteriori tagli?
In occasione della Settimana nazionale della musica a scuola, il Ministero dell’Istruzione invita le scuole a partecipare alla Rassegna nazionale delle Istituzioni scolastiche “La musica unisce la scuola”, in programma dal 24 al 29 maggio 2021 e organizzata dal Comitato nazionale per l’apprendimento pratico della musica, in collaborazione con INDIRE. La rassegna si svolgerà sulla piattaforma INDIRE, dove le scuole hanno condiviso video e progetti delle attività musicali poste in essere nell’anno scolastico 2020-2021.
E proprio in questi giorni il mondo dello spettacolo si sta riattivando: finalmente quest’estate torneranno i concerti e gli spettacoli dal vivo, molti artisti stanno infatti annunciando le loro tournée estive. Il motivo per cui la musica ci è mancata tanto, è che oltre a essere un linguaggio ormai indispensabile nel complesso apparato comunicativo odierno, essa è nutrimento per il nostro corpo, e non solo a livello emotivo. La musica è vita, come dice il Maestro Salvatore Accardo, nell’intervista che apre il nostro corso Effetto Stradivari, di cui è autore.
“Studiare la musica è come mangiare, come bere, come dormire. È un’esigenza del corpo, un’esigenza della mente, un’esigenza dell’anima. Un’esigenza del cuore anche, perché la musica è prima di tutto emozione e – poiché senza emozione non c’è vita – possiamo concludere che la musica è vita. Attraverso le emozioni viene prodotta energia e l’energia non è mai unidirezionale: emozioni ed energia si danno e nello stesso tempo si ricevono. Così studiando musica si viene arricchiti e allo stesso tempo si arricchisce.”
Il tema dell’ascolto inoltre è quanto mai attuale, in questo tempo in cui il frastuono dei media ci investe in vari modi, condividere un’esperienza musicale è un ottimo esercizio di confronto. “Fare musica è la metafora della vita perché, nella musica come nella vita, quando finisce la tua libertà, comincia quella di chi sta suonando con te… Suonare insieme insegna, dunque, a vivere insieme.” – afferma il violinista e direttore d’orchestra.
Ascoltare musica è un’esperienza fondamentale, ma ancora più importante è garantire ai ragazzi esperienze di ascolto di qualità. In un appuntamento di MusicArt Live, Salvatore Accardo suggerisce di proporre ascolti di musica classica anche ai più piccoli, per esempio partendo da Vivaldi e da Mozart: le loro composizioni non sono eccessivamente complesse e soprattutto riescono a suscitare emozioni, e far sì che il corpo partecipi anche emotivamente all’ascolto. Un altro suggerimento prezioso del Maestro, è quello di partecipare con la classe alle prove aperte di un’orchestra. Il suono di un’orchestra, di musicisti che suonano dal vivo, è molto più potente di qualsiasi riproduzione.
La musica è vita, e ora che con le riaperture abbiamo cominciato a riappropriarci di alcuni gesti collettivi, andare ad ascoltare di nuovo musica dal vivo sarà una vera liberazione.
El 12 de mayo 2021 se conmemoró el centenario de la muerte de Emilia Pardo Bazán (La Coruña, 1852 – Madrid, 1921), una escritora que destaca no solo porque fue una mujer libérrima en una sociedad que oprimía a la mujer, sino también por ser una figura poliédrica y una de las grandes novelistas del siglo XIX-XX. Mujer de gran personalidad, defendió los derechos de la mujer y no se dejó amilanar ante las críticas machistas y privas de sustancia recibidas de importantes personalidades del mundo de la cultura, como Juan Valera, José María Pereda o el filólogo, crítico literario e historiador Menéndez Pelayo. De ella dijeron:
“Parece una sandía con patas.” (Juan Valera);
“Por el ansia de llamar la atención es capaz de bailar en cueros vivos en la Puerta del Sol.” (José María Pereda);
“Literata fea con peligro de volverse libre pensadora.” (Menéndez Pelayo).
A veces la vida es justa, ¿quién se acuerda de ellos? Pocos. En cambio, la figura de Emilia Pardo Bazán, cien años después de su muerte, emerge más reconocida y libre que nunca, al igual que sus ideas.
Podríamos resumir su vida en los siguientes diez puntos:
Academia;
Cátedra;
Educación;
Feminismo;
Violencia de género;
Galicia;
Galdós;
Literatura;
Producción literaria;
Pazo de Meirás.
Animad a vuestros alumnos a descubrir por qué esos diez puntos definen la vida de la autora.
Visitad los siguientes enlaces para conocer mejor la autora y su obra:
Para hablar de moda y de naturaleza en clase: la autora era una apasionada de moda, en nuestros días podría ser una importante influencer o youtubera con muchos seguidores.
Lecturas
Cómo siempre, aquí os dejamos algunas lecturas que podéis usar en vuestras aulas.
Insolación en versión tebeo, basado en la obra de la escritora, ilustrado por el artista Javier de Juan. Esta obra es la más feminista de la escritora y trata de la relación amorosa protagonizada por una mujer gallega que sobrevivió a un matrimonio de conveniencia. Editorial: Narrativa de Cordelia. ISBN: 978-84-18141-24-9
Emilia Pardo Bazán, una mente poderosa, escrito por María Canosa e ilustrado por Bea Gregores. Este libro busca acercar a todos los públicos, aunque especialmente a los niños, la figura poliédrica de Emilia Pardo Bazán a través de momentos de su apasionante vida. Nos sorprenderá la niña curiosa y gran lectora, la mujer enamorada e independiente y la autora de carácter, rebelde al rol que se esperaba de toda dama en un entorno social y familiar privilegiado. ISBN: 978-84-18667-06-0
Parmi les grands thèmes qu’il faut aborder avec nos élèves il y a l’Union Européenne: son histoire, les pays membres, ses institutions et ses priorités ont toujours été présents dans les programmes scolaires. Présenter l’Union Européenne constitue un défi dur à relever parce que les nouvelles générations, qui ont toujours remis en cause leurs ainés, semblent être peu intéressées par cette association volontaire d’États européens.
Même la sortie du Royame-Uni, le 31 janvier 2021, qui a vu beaucoup de jeunes réagir avec déception à la victoire du Brexit, semble désormais une question moins importante surtout à cause de la pandémie actuelle. En plus, les désaccords entre ses membres, le désintérêt des pays voisins à en faire partie et la crise migratoire de ces dernières années ne font qu’alimenter le manque de curiosité envers les apprentissages interculturels.
Une question, alors, s’impose: faut-il continuer à étudier l’Europe? La réponse est, plus que jamais, oui! Pourquoi? Parce qu’elle influence notre vie au quotidien, indépendamment de notre lieu de résidence, de notre travail et de nos activités. Comment ?
Eh bien, depuis sa constitution, en 1957, par le traité de Rome qui institue la Communauté économique européenne, elle garantit la paix et la sécurité, elle nous permet de vivre et travailler dans n’importe quel pays de l’Union, elle se bat pour l’égalité de traitement pour tous, elle exerce une grande influence politique sur la scène internationale…
Il faut aussi remarquer que l’Union Européenne consacre une attention particulière aux jeunes : pendant ces dernières années, en effet, on a cherché à associer davantage les jeunes à sa vie politique, comme en témoignent les projets « Corps européen de solidarité » (financement et soutien pour ceux qui ont entre 18 et 30 ans) et « DiscoverEU » (voyages dans les pays membres de l’Union). Et il ne faut même pas oublier le programme Erasmus+ en faveur de l’éducation, de la formation, de la jeunesse et du sport en Europe.
Alors, voilà de quoi consacrer encore notre attention à l’Union !
Ressources en ligne pour mieux connaître l’UE et ses projets :
La pratica scolastica rende spesso “passiva” l’acquisizione di modelli e teorie scientifiche: non sono ancora molti i momenti in cui gli studenti sono invitati ad essere costruttori attivi delle proprie conoscenze e – con esse – degli strumenti per leggere la realtà in chiave scientifica. Le ragioni di questo sono molteplici, ma l’intenzione delle ultime riforme della scuola italiana è quella di indicare un’altra strada. Nella parte dedicata alla scuola secondaria di primo grado, le Indicazioni Nazionali fanno riferimento a numerosi obiettivi tipicamente associati a proposte di modellistica “attiva”.
In particolare, si prevede che lo studio delle scienze fornisca un metodo d’indagine per la spiegazione dei fenomeni via la costruzione di modelli interpretativi revisionabili, favorendo la formulazione di domande e mettendo in evidenza modi di ragionare, strutture di pensiero e informazioni trasversali. Tra i traguardi di competenze si può citare lo sviluppo di schemi, modelli e semplici formalizzazioni.
Per la matematica, invece, si prevede che fornisca strumenti per l’interpretazione dei fenomeni e per la descrizione scientifica del mondo, costituendo un naturale contesto per porsi problemi significativi e per esplorare e percepire relazioni ricorrenti. Traguardi di competenze decisamente pertinenti sono lo sviluppo di un atteggiamento positivo nei confronti della materia attraverso esperienze significative e, soprattutto, il riconoscimento dell’utilità di certi strumenti matematici.
Modelli e coding
Gli obiettivi indicati dalle Indicazioni Nazionali sono estremamente ambiziosi. Una buona maniera di provare a declinarli in pratica è attraverso l’impostazione di attività di coding allo scopo di costruire simulazioni di fenomeni reali. Tali attività richiedono un esercizio continuo di osservazione, descrizione e ragionevole semplificazione dei fenomeni, che sono passaggi tipici della modellistica scientifica e – pertanto – della costruzione di teorie scientifiche. Si tratta di occasioni in cui si esercita il pensiero computazionale e che possono rappresentare un’ottima via per perseguire i traguardi di competenze citati attraverso un percorso interdisciplinare e laboratoriale.
Un esempio
Poniamo di voler simulare la crescita di una colonia di batteri unicellulari, che si duplicano per mitosi. Un tale contesto si presta a essere introdotto nell’ambito di una lezione di scienze sulla mitosi, per passare poi a una fase di coding con linguaggi di programmazione a blocchi come Scratch o il suo “cugino” leggermente più avanzato Snap, per concludersi magari con una riflessione più profonda sui meccanismi di base in cui allenare competenze matematiche quali le proprietà delle potenze o la realizzazione di grafici.
Non serve arrivare a livelli di sofisticazione elevati: si può dire molto già considerando un modello molto semplice in cui, partendo con una sola cellula, si prevede che essa e le sue figlie si duplichino al ritmo costante di una replicazione ogni 2 secondi. Quante cellule ci sono dopo 10 secondi? E dopo 1 minuto? L’analisi dei dati prodotti da questa simulazione può essere fatta registrando periodicamente il numero di batteri presenti e tracciando un grafico che rappresenti come varia questo valore nel tempo. La produzione di un grafico, in questi casi, diventa quasi una necessità per avere una migliore comprensione dei risultati.
Questi sono problemi la cui soluzione diretta tramite carta e penna potrebbe risultare difficile a molti studenti. Essa può allora essere conquistata passo dopo passo, grazie al fatto che trovare il modo di codificare le informazioni e doverle “spiegare” al computer obbliga i ragazzi a semplificare e scomporre il problema per isolare i meccanismi di base e replicarli virtualmente.
La conquista della soluzione, a questo punto, diventa un traguardo significativo e apprezzabile anche nella sua forma matematica più astratta, la quale – senza un adeguato lavoro volto alla sua progressiva “scoperta” – probabilmente confonderebbe i ragazzi. Nella realtà e in particolare nel mondo della scienza c’è una miriade di occasioni in cui scavare per trovare buoni spunti per attività di questo tipo, che portino i ragazzi ad approcciare la matematica e le scienze in modo diverso dal solito. Non resta che, con un po’ di inevitabile fatica, mettersi al lavoro!
Un diagramma di un tipico processo di costruzione di un modello scientifico.
Un esempio di implementazione di un programma che simula una crescita cellulare semplificata, realizzato con Snap!. Il codice completo si trova qui.
“Siccome l’arte è sempre un’espressione della società, anche lei cambia e così cambia il nostro e il suo rapporto con noi”
Francesco Bonami
Grazie al progressivo allentamento delle misure restrittive, con la bella stagione alle porte e provati dalle lunghissime chiusure di cinema, teatri, musei e gallerie, sarà fisiologico – nei giorni a venire – cercare di evadere dalle proprie mura domestiche alla ricerca di esperienze culturalmente stimolanti e possibilmente all’aria aperta.
Molte istituzioni – durante i mesi di chiusura – hanno traslato la propria proposta su canali online con visite virtuali ad altissima definizione, laboratori interattivi, talk e interviste inedite ed ora hanno riaperto loro portoni seppur non con poche difficoltà. Sono le mostre e le rassegne temporanee programmate nei musei e gallerie ad aver subito il colpo d’arresto più significativo, con progetti pronti da mesi (alcuni da più di un anno) che vedranno la luce -se tutto andrà bene- in autunno.
Come possiamo consolarci in attesa che tutto riprenda a pieno regime, coniugando la nostra sete di conoscenza, la ricerca di stimoli intellettuali e la spensieratezza e tranquillità della quale necessitiamo oggi? Ci sono dei luoghi open air – spesso al di fuori dei tradizionali tour mainstream- che sono a tutti gli effetti parte del patrimonio storico-artistico nazionale: abbiamo a disposizione le più belle collezioni del mondo nei nostri musei e tendiamo di riflesso a sottovalutare contenitori d’arte meno istituzionalizzati , che paradossalmente interessano di più ai turisti stranieri che italiani, i quali generalmente faticano a sperimentare l’arte contemporanea, cadendo nel pregiudizio che sia per pochi.
Sono i parchi artistici e i giardini di sculture le realtà che coniugano al meglio il concetto di arte e natura, dove l’arte trova nuovo spazio per essere progettata, esposta, raccontata e vissuta, sposandosi con la botanica e l’architettura del paesaggio, in un rispettoso dialogo con l’ambiente circostante. Caratteristica comune è il carattere della vastità della superficie dei parchi-museo: troviamo molto frequentemente opere di dimensioni considerevoli, di forme e colori bizzarri e soprattutto interattive, calpestatili, attraversabili, tangibili, a volte addirittura “suonabili”. Rendere l’arte qualcosa di cui si può fare esperienza fisica diretta favorisce la comprensione e l’immedesimazione necessaria all’elaborazione personale per renderla un’esperienza propria e capire al meglio il messaggio dell’artista stesso.
La visita di un parco artistico è quindi un’attività adatta a chiunque: adulti, bambini, ragazzi, cultori della natura e della botanica, esperti d’arte, scolaresche o gruppi di anziani, Instagramers per professione o diletto, turisti curiosi o viaggiatori occasionali. Anche chi fatica a entrare in un classico museo perché lo considera un luogo buio, polveroso e noioso o chi pensa “Io di arte non ci capisco niente” può fare esperienza dell’arte in un modo totalmente diverso, libero, personale ed emotivo.
Parchi artistici
Posizionati in luoghi panoramici strategici, incorniciati da elementi naturali che caratterizzano il paesaggio circostante, i parchi artistici sono presenti su tutto il territorio italiano. Rigorosamente open air, lontani dai grossi centri cittadini e dai circuiti tradizionali che smuovono grossi flussi di persone, sono luoghi che regalano allo spettatore un tipo di esperienza artistica unica, diretta e coinvolgente delle opere.
Alcune raccolte sono frutto dalle donazioni di mecenati innamorati dell’arte, filantropi e spesso amici degli artisti, che poi “regalano” alla comunità la possibilità di fruirne, aprendo piccoli scrigni di opere preziose e uniche nel loro genere. Altri luoghi sono stati scelti, riqualificati e convertiti dagli artisti con ambiziosi progetti di intervento artistico-sperimentale.
Le opere – in dialogo con l’ambiente circostante- sono nella maggior parte dei casi site-specific, ovvero pensate e create proprio per il determinato luogo in cui si trovano. In questo modo, lo spettatore viene invitato a reinterpretare il luogo in funzione dell’opera e, allo stesso tempo, a riconoscere, attraverso la lettura del luogo, il significato dell’opera stessa. Leggendo progetti e interviste ad artisti ambientali contemporanei si evince come molto spesso sia il luogo a suggerire all’artista l’intervento da eseguire e non viceversa; con le residenze d’artista (progetti che prevedono che l’artista soggiorni per un periodo medio-lungo in un determinato luogo nel quale poi lavorerà, cosi da poter progettare in totale sintonia senza interferenze ambientali esterne) il dialogo tra ambiente e artista si fa intimo e direttamente esperienziale.
Il binomio arte e natura ci accompagna sin dal 1970, anno della nascita del movimento della Land Art, nel quale un gruppo di artisti americani, definendosi fanatici della natura, decisero che l’arte avrebbe potuto uscire dalle sale del museo (definito metaforicamente dal critico d’arte Brian O’Doherty “cubo bianco”, in riferimento alle pareti bianche, asettiche, tipiche della esposizione modernista, nelle quali il pubblico vive un’esperienza dell’arte fuori dal tempo e dal luogo) per invadere la terra stessa, attraverso una serie di opere-interventi sui territori naturali in spazi incontaminati. Come ci racconta il grande critico e curatore Gillo Dorfles: “nasce in questi anni la volontà di fomentare il senso di appartenenza ad un luogo, in seguito a una presa di coscienza da parte della società in relazione all’ansia di dominazione smisurata dell’uomo sulla natura, che ha portato ad un allontanamento emozionale ed affettivo rispetto alla nostra condizione di esseri umani.. è comunque un intervenire sulla natura, su elementi che presentano un ordine naturale e che, da tale intervento per mano dell’artista, sono sconvolti ed incrinati”. Questo movimento artistico decise inoltre di indagare attraverso l’arte, il rapporto tra individuo e l’ambiente naturale percepito come sfondo primordiale della vita umana.
Questa riflessione risulta estremamente attuale e ci porta a ragionare sul tema della sostenibilità e dell’impatto del lavoro dell’artista sulla natura; l’intervento dell’uomo-artista si “riduce” in questo caso a creare con ciò che la natura gli mette a disposizione, senza stravolgerla con azioni artificiali irreversibili ma intervenendo su di essa attraverso un dialogo sottile, leggero, pieno di rispetto e gratitudine. É interessante constatare il carattere effimero delle opere costantemente esposte all’aria aperta, che vengono cosi trasformate nel tempo dagli agenti atmosferici – quindi dalla natura stessa – e che concorrono per trasformarsi in un prodotto intangibile frutto del processo naturale e della collaborazione artistica tra uomo e natura stessa.
Purtroppo manca ancora un network che possa raggruppare sistematicamente queste realtà che sono spesso a gestione privata diretta, senza fondi né stanziamenti economici dedicati dal Ministero dei Beni Culturali, difficili da inquadrare in maniera unitaria a livello legislativo e organizzativo.
7 Musei open-air focus
TRENTINO
ARTE SELLA – Pergine Valsugana (Trento)
Arte Sella nasce in forma sperimentale nel 1986, quando un gruppo di amici residenti a Borgo Valsugana si ritrova in Val di Sella, nel giardino di Villa Strobele, a immaginare di coniugare arte contemporanea e natura. Inizia così un periodo di contatti con istituzioni culturali locali, con la popolazione e con artisti, principalmente stranieri. Nascono sodalizi forti e vengono stabiliti alcuni principi cardine, che tuttora ispirano l’attività di Arte Sella:
– L’artista non è protagonista assoluto dell’opera d’arte ma accetta che sia la natura a completare il proprio lavoro;
– La natura va difesa in quanto scrigno della memoria;
– La natura non viene più solo protetta, ma interpretata anche nella sua assenza: cambia quindi il rapporto con l’ecologia;
– Le opere sono collocate in un hic et nunc e sono costruite privilegiando materiali naturali. Esse escono da paesaggio, per poi far ritorno alla natura
Tra gli interventi più spettacolari si ricorda la cattedrale vegetale di Giuliano Mauri costruita con più di tremila rami intrecciati nelle forme di una cattedrale a tre navate, con ottanta colonne alte 12 m; all’interno di ogni colonna è collocata una pianta di carpino, che nell’intenzione dell’artista, una volta cresciuta dovrebbe prendere il posto della struttura attuale, destinata a marcire e a scomparire. Altre opere installazioni site-specific di Jakko Pernu , Cornelia Konrads Isabella Bordoni, Studio Azzurro e tanti altri.
LOMBARDIA
ROSSINI ART SITE – Briosco (Monza e Brianza)
Rossini Art Site è un parco di sculture di 10 ettari, adagiato tra i colli briantei, nel cuore verde del parco della Valle del Lambro. Proprio la sua posizione suggestiva ed il panorama mozzafiato che si schiude sulle Alpi con vedute incredibili e mutevoli, l’hanno reso il luogo ideale scelto dall’imprenditore e mecenate Alberto Rossini per ospitare la sua collezione di arte del Secondo Novecento, tra cui sono spiccano opere di artisti come Pietro Consagra, Bruno Munari, Giт Pomodoro, Fausto Melotti, Grazia Varisco, per citarne alcuni. Fulcro del luogo и certamente il pavilion di accesso al parco, progettato dallo studio SITE e dall’architetto newyorkese James Wines, esponente della Green Architecture, maestro di design ambientale e dell’architettura organica, che ha dato vita a Briosco ad un progetto in grado di dialogare perfettamente con il territorio circostante, integrando arte, ambiente e architettura in un unico concetto.
Luogo unico nel suo genere, la tenuta La Court si trova all’interno di una delle zone che compongono il cinquantesimo sito Unesco d’Italia: i paesaggi vitivinicoli di Langhe-Roero e Monferrato.
Venti ettari vitati, tre cascinali, due colline: il più esteso museo a cielo aperto in vigna, monumento in continuo aggiornamento dove arte, paesaggio e vino dialogano ininterrottamente, offrendo ai visitatori una delle esperienze di land art e panorama enologico.
Le scenografie paesaggistiche sono state progettate da Emanuele Luzzati che qui ha lasciato in eredità le sue sculture, organizzate lungo un percorso fiabesco dedicato agli elementi: Terra, Acqua, Aria e Fuoco.
lI parco è costellato di opere di artisti di fama internazionale, tra cui spiccano gli interventi di Ugo Nespolo, Giancarlo Ferraris e Chris Bangle. Elementi immaginifici e iconici che immergono il passante in atmosfere arcaiche e fantastiche, ragionando sul rapporto e l’armonia tra uomo e natura, creando spazi meditativi e punti d’osservazione.
TOSCANA
IL GIARDINO DI DANIEL SPOERRI – Seggiano (Grosseto)
All’inizio degli anni ’90, l’artista svizzero Daniel Spoerri acquistò una tenuta sulle pendici del Monte Amiata, a circa 60 km a sud di Siena. Nelle mappe antiche questo luogo era denominato »Paradiso«, forse per il clima mite che favorisce una vegetazione rigogliosa di numerosissime specie. Si potrebbe quindi giustamente parlare di un »giardino paradisiaco«. Qui Spoerri si è accostato alla natura e ha iniziato ad installare sculture, trasformandolo in un vero museo a cielo aperto che attualmente ospita 113 installazioni di 55 artisti su un territorio vasto circa 16 ettari, ricchi di bosco, macchia mediterranea ed olivi.
GIARDINO DEI TAROCCHI – Capalbio (Grosseto) Da un’idea nata in viaggio dell’eclettica artista francese Niki de Saint Phalle e ispirato al Parc Guell di Gaudì a Barcellona, il »Giardino dei Tarocchi« è uno dei giardini in Toscana più magici. Assemblato per quasi 20 anni, dal 1979 fino al 2002, anno della morte della sua ideatrice, il parco monumentale è composto da 22 enormi sculture, di cui alcune abitabili, coloratissime e ricoperte di mosaici in vetro e ceramica ispirate ai Tarocchi e alla loro simbologia. La stessa artista ha più volte sostenuto che il giardino, come la sua vita, è proprio come il gioco di carte dei Tarocchi: non si sa mai quale ci si può trovare davanti. Nel Giardino infatti non c’è nessun percorso obbligato, ma si è liberi di vagare come in un sogno, sogno a cui hanno potuto collaborare anche tanti grandi artisti di arte contemporanea internazionali.
SICILIA
FIUMARA D’ARTE – Castel di Tusa (Messina)
L’idea di “Fiumara d’Arte”, ubicata nel territorio della città metropolitana di Messina, nasce nel 1982 quando -scosso dalla perdita del padre- Antonio Presti, che già collezionava arte contemporanea, pensa di dedicare un monumento alla sua memoria e si rivolge allo scultore Pietro Consagra. Immagina fin da subito di non farne un semplice fatto privato, una stele del proprio giardino, ma di donare la scultura alla collettività, collocandola alla foce della fiumara. Oltre a Consagra, possiamo ammirare la celebre finestra sul mare di Tano Festa, Stanza di barca oro di Hidetoshi Nagasawa e altre dieci opere di artisti contemporanei ubicate lungo gli argini del fiume Tusa, oggi a carattere torrentizio, che sfocia nella costa tirrenica.
CALABRIA
– MUSABA FONDAZIONE SPATARI/MAAS- Mammole (Reggio Calabria)
Nik Spatari e Hiske Maas sono una coppia di creativi che da cinquant’anni, hanno scelto di vivere a Santa Barbara, un pianoro che guarda al Mar Jonio, che quando sono arrivati era sepolto dai rovi e dalla dimenticanza, che hanno poi trasformato nell’unico museo all’aperto calabrese, uno dei pochi in Europa che è anche laboratorio di sperimentazione artistica e di tutela del paesaggio. Il parco museo laboratorio si sviluppa (nei suoi 70000 metri quadrati) attorno ai resti dell’ antico complesso monastico del x secolo di Santa Barbara, all’interno del territorio dell’ente Parco Nazionale d’Aspromonte; lungo tutto il parco le opere d’arte si susseguono tra sculture, istallazioni, mosaici realizzati in calcestruzzo, piastrelle policrome, pietra, metallo e materiale riciclato. Grande attenzione anche all’aspetto botanico con centinaia di piante e arbusti di varie specie circondati dall’antico uliveto dell’Acrocoro.
I giardini botanici in Italia sono moltissimi: alcuni fanno da sfondo a dimore storiche e palazzi, altri sono una sorta di culla in cui viene preservata la biodiversità vegetale. Tutti hanno in comune la natura che dà spettacolo e che trasforma il giardino in un luogo per l’eterna contemplazione della bellezza.
GIARDINI e patrimonio botanico
Precursore della concezione del giardino come “opera d’arte” fu Claude Monet che con l’acquisto del giardino di Giverny, nella campagna normanna, realizzò il sogno di una vita creando il suo paradiso terrestre, che fu di fondamentale ispirazione per la sua serie di dipinti sulle ninfee.
Nel 1997 Judith Wade, (CEO di Grandi Giardini Italiani), ha l’idea di creare un network che si occupi delle promozione organizzata e permanente a livello nazionale del patrimonio artistico – botanico dei giardini Italiani. Nasce cosi GRANDI GIARDINI ITALIANI.
All’epoca il turismo culturale che riguardava i grandi giardini era considerato erroneamente dai più come un ramo minore, nonostante il clima favorevole e la stupefacente offerte di giardini visitabili non esisteva una vera promozione organizzata e permanente a livello nazionale per questa versante del turismo.
I giardini sono di svariate tipologie: giardino storico, giardino botanico, giardino paesaggistico, giardino moderno, giardino dell’arte.
Oggi nei Grandi Giardini Italiani si organizzano più di 700 eventi all’anno, tra cui la famosissima Caccia al Tesoro Botanico di Pasquetta, che viene organizzata contemporaneamente nei 140 giardini dislocati in 14 regioni.
Si avvicina l’estate e abbiamo deciso di inaugurare una nuova rubrica all’insegna del piacere di leggere, LeggiAMO. I romanzi che abbiamo scelto di proporvi possono essere letti o singolarmente dagli studenti durante l’estate oppure possono costituire la base per un percorso di lettura più strutturato con attività da svolgere in classe.
La booklist di questo numero è dedicata al tema dell’adolescenza, i protagonisti delle storie che abbiamo scelto sono sei giovani eroi, tre provenienti dal mondo classico e tre dalla letteratura contemporanea.
Giovani eroi
L’adolescenza segna il passaggio dall’infanzia all’età adulta e, come tutti i momenti di transizione, può assumere i tratti di una grande avventura, ma comporta anche pericoli e difficoltà. Nei miti antichi, come nelle fiabe, il protagonista è spesso proprio un giovanissimo eroe (o eroina) che, prima di raggiungere il suo status definitivo (re o regina, sposo o sposa, guerriero o guerriera…) deve affrontare indicibili peripezie, viaggiando lontano da casa, uccidendo mostri o lottando contro nemici temibili, per rivelare a se stesso e agli altri il proprio valore. Secondo molti studiosi i miti di questo genere e le fiabe hanno avuto origine da quei riti di passaggio che, nelle antiche società tradizionali, accompagnavano i giovani nelle difficili fasi della crescita, sancendo infine il loro ingresso nel mondo degli adulti. Miti, fiabe e riti avevano perciò lo scopo di dare senso e importanza all’adolescenza, un’età che oggi invece, nel mondo “liquido” e caotico nel quale viviamo, viene spesso trattata con sospetto o indifferenza, come una fase vagamente amorfa, che assume un senso solo a posteriori, in quanto preambolo della vita “vera”. Proprio perché amorfa, priva di caratteri e confini precisi, succede allora che l’adolescenza si protragga a dismisura, quasi fosse un comodo “parcheggio” o un rifugio per sottrarsi alle responsabilità che la società impone agli adulti. Ecco allora emergere, dalla nebbia dell’adolescenza, i falsi eroi, quelli che Vittorino Andreoli nella sua Lettera a un adolescente ignora. Gli eroi veri, però, dice Andreoli, sono quelli del quotidiano, che riescono a ridare significato a questi anni belli e terribili, affrontando, come gli antichi eroi, una lotta a tutto campo contro i mostri che popolano la loro anima: paure, complessi, false illusioni. E la vittoria consiste allora nel comprendere che la maturità non si raggiunge uccidendo il mostro, ma abbracciandolo e scoprendo anche in esso un po’ di se stessi.
Adolescenti ed eroi di ieri…
Vassilis Vassilikòs, “Il racconto di Giasone e Ricordi dal tempo di Chirone”, Argo 2020
Per via della Medea di Euripide, la figura di Giasone è accompagnata da sempre da una pessima fama. Ma questi due lunghi racconti, scritti dal diciannovenne Vassilikòs nel 1953 e tradotti solo ora in italiano, sono ambientati prima del viaggio degli Argonauti e prima dell’incontro fatale con Medea. Qui Giasone è ancora un giovane poeta, che scopre l’amicizia e l’amore e nutre in sé un indomabile desiderio di avventura, che lo porterà lontano, verso il suo destino.
Temi: rapporto padri-figli, amicizia, crescita, desiderio di conoscere, avventura.
Perché leggerlo? per lo stile poetico con cui viene descritta l’adolescenza.
Madeline Miller, “La canzone di Achille”, Feltrinelli 2019
Madeline Miller ha insegnato per anni letteratura greca nei licei, e infatti riesce a replicare efficacemente, nella Canzone di Achille, la presenza opprimente degli dèi e del fato che aleggia in molte opere antiche. La storia, narrata da Patroclo, è quella notissima di Achille e della guerra di Troia, ma, indulgendo anche a qualche inevitabile modernizzazione, Miller si concentra sull’approfondimento del carattere dei due giovani e dell’indissolubile amore che nasce tra loro. Come già nell’Iliade, Achille e Patroclo sono eroi giovanissimi, quasi adolescenti, gravati dal peso delle loro origini e del loro destino di morte, che vivono non a caso gli anni più belli presso Chirone, nella libertà dei monti, lontano dal mondo spietato degli adulti.
Temi: amore, amicizia, violenza, guerra, destino
Perché leggerlo? perché riesce a rendere avvincente e fresca la storia arcinota di due eroi adolescenti.
Longo Sofista, “Dafni e Cloe”, BUR 2005
Il più bello e raffinato dei “romanzi” greci, composto probabilmente nel III secolo d.C., racconta le vicende dei pastorelli Dafni e Cloe, i quali, prima dell’inevitabile happy end matrimoniale, devono affrontare mille peripezie, dalle aggressioni dei pretendenti al rapimento da parte dei pirati, passando per il ritrovamento di un tesoro e molti sogni profetici. Quello descritto da Longo è un mondo da favola, sul quale vegliano Pan, le ninfe ed Eros, che affascina come un moderno fantasy. L’aspetto più intrigante dell’opera è però la delicata e accuratissima descrizione del sorgere dell’amore nei due ragazzini, che assume toni poetici e realistici allo stesso tempo.
Temi: amore, avventura, rapporto con la natura, contrasto tra campagna e città.
Perché leggerlo? Perché Dafni e Cloe, al di là degli aspetti tipici della loro epoca, potrebbero essere due adolescenti di oggi, alla scoperta dei sentimenti e del sesso.
… e di oggi
Murakami Haruki, “Norwegian Wood”, Einaudi 2006
Toru ascolta per caso, in aereo, la canzone Norwegian Wood dei Beatles, che suscita in lui forti emozioni e lo spinge a ricordare il passato. Essendo un lungo flashback narrato in prima persona, il romanzo è venato della struggente malinconia con cui Toru guarda agli anni ormai perduti dell’adolescenza, che sono stati i più importanti della sua vita. Dopo la perdita di un caro amico, Kizuki, Toru si trasferisce a Tokyo, per frequentare l’università, ed è diviso tra l’amore per Naoko, votata alla sofferenza, e quello per Midori, solare e positiva; qui conosce anche Nagasawa, ragazzo affascinante ma crudele, e assiste, senza parteciparvi, alle rivolte studentesche della fine degli anni Sessanta. Dopo un doloroso cammino di crescita, segnato da molti lutti, Toru decide infine di staccarsi dalla dimensione dell’adolescenza, per abbracciare la vita.
Temi: disagio adolescenziale, amore, amicizia, perdita degli affetti.
Perché leggerlo? per lo stile limpido e toccante, tipico di Murakami, e la sincerità con cui si raccontano le difficoltà dell’adolescenza.
Donna Tartt, “Il cardellino”, Rizzoli 2014
Theo ha tredici anni quando sua madre muore in un attentato terroristico al Metropolitan Museum di New York, cui egli stesso sopravvive per miracolo: da quel momento il suo destino è indissolubilmente legato a quello di un quadro olandese del Seicento, Il cardellino del titolo, che egli ruba dalle macerie del museo. Sballottato da una parte all’altra degli Stati Uniti, Theo è costretto a crescere in fretta, facendo i conti con la solitudine, l’abbandono, la fuga. Suoi compagni di viaggio e di vita sono un cagnolino, il coetaneo Boris, che lo inizia alla droga e all’alcol, e Pippa, il grande amore impossibile. Gli adulti sono quasi tutti distanti o negativi, tranne la signora Barbour e l’antiquario Hobie, che assumono per un certo periodo il ruolo di figure genitoriali. Sopravvissuto alla sua difficile e avventurosa adolescenza, Theo si rende conto che tutto ciò che accade ha un senso nel disegno generale dell’esistenza.
Temi: perdita degli affetti, amicizia, amore, rapporto con gli adulti.
Perché leggerlo? perché ha il ritmo teso e dinamico di un thriller e il respiro ampio dei grandi classici, quelli che si vorrebbe non finissero mai.
Niccolò Ammaniti, “Anna”, Einaudi 2015
Il romanzo di Ammaniti, scritto qualche anno fa, anticipava uno scenario per noi fin troppo familiare: nel 2020 un virus colpisce e uccide chiunque abbia raggiunto la pubertà. La protagonista Anna, tredicenne, vaga dunque in una Sicilia spettrale, alla ricerca di cibo per sé e il fratellino Astor, in compagnia di un altro ragazzino, Pietro, e del cane Coccolone. Nello scenario postapocalittico da film horror-fantascientifico, accanto alla violenza e all’istinto di sopravvivenza c’è posto anche per la tenerezza, nell’affetto per Astor e nel ricordo della madre morta, che ha lasciato ai figli un Quaderno delle cose importanti, come un vangelo laico cui affidarsi nei momenti di crisi. Inseguendo la speranza che esista un antidoto al virus, Anna e Astor intraprendono un viaggio che mette a dura prova la loro capacità di resistere in un mondo in cui, nel bene e nel male, sono completamente abbandonati a se stessi, liberi dalla presenza degli adulti.
Temi: affetto fraterno, amicizia, lotta per sopravvivere, speranza.
Perché leggerlo? per il vivido ritratto della protagonista, eroina contro voglia in un mondo morto, adolescente che lotta oltre ogni speranza per garantire un futuro a se stessa e a chi ama.
Irriconoscenti, traditori, proditores. Tutti contro di me. Che sono il più grande imperatore della Storia. La Storia dove dentro ci sono le mie storie…
Per Apollo Musagete… e Giove Priapo… e Mitra Mabellona… e Bacco Maimone. Ma che affanno la vita del tiranno, come faranno quelli che verranno e peggio di me saranno?
Sì, parlo spesso in versi, mi viene naturale.
Inizia così il monologo in versi di Stefano Benni che, fra latino classico e maccheronico e romanaccio, ripercorre la vita dell’imperatore forse più emblematico della storia di Roma. Lo scrittore e drammaturgo spiega di aver scelto proprio Nerone come protagonista del suo Kolossal teatrale in tre atti perché è un personaggio dalle mille sfaccettature: tiranno crudele, megalomane, pazzo, ma con una smodata passione per l’arte.
Benni racconta di aver letto il libro di Massimo Fini, Nerone: duemila anni di calunnie, per preparare il suo spettacolo, ma non ha nessun intento di salvare l’imperatore dalla sua cattiva fama. Quello che lo ha attirato è stata la possibilità di mettere sulla scena un uomo complesso, conosciuto spesso per luoghi comuni e che per i suoi eccessi, passioni e stravaganze è un protagonista degno del cinema. Sulla scena troviamo quindi il Nerone bambino, quello adulto, la sua morte, e ascoltiamo dalla sua voce e dalla voce narrante di Benni le sue tante storie, in una commistione di lingue e dialetti, in prosa, in rima e anche rap.
Altra cosa è invece il libro di Fini, dove viene tratteggiata la figura a tutto tondo di un imperatore visionario, esibizionista e crudele, ma che è stato un grande uomo di stato. Il giornalista vuole mettere in luce come Nerone sia stato un unicum non solo nella storia di Roma. Proprio questo suo pensare “in grande”, infatti, lo ha portato a provare a modellare il mondo e lo stato sulla base della sua immaginazione.
Ma chi era davvero Nerone? Difficile rispondere a questa domanda, ma il fatto che ancora, quasi duemila anni dopo la sua morte, si parli di lui, studiando le fonti, condannandolo, rivalutandolo, comunque cercando ancora di capire qualcosa in più della sua vita, ci dimostra come questa figura sia stata interessante ed eserciti, nel bene e nel male, il suo fascino su di noi.
E allora ci viene voglia di leggere Tacito che regala al tiranno alcune fra le più belle pagine degli Annales. Nerone che arriva alla corte di Claudio e diventa imperatore spinto dalla madre Agrippina, i delitti di lei sono la premessa per quelli di lui. Uccide Britannico e poi anche la stessa madre e da quel momento in poi scivola velocemente giù in un’escalation di violenza senza più freni e remore. L’uccisione di Ottavia, quella di Seneca, le persecuzioni del Senato, prima di arrivare alla caduta. Tacito tratteggia un personaggio quasi da tragedia, descrivendone in particolare i momenti drammatici, la follia, i delitti.
Da questo quadro ne viene fuori un ritratto di Nerone allo stesso tempo grandioso e troppo umano, segnato da un destino secondo il quale al centro di tutto ci sono le conseguenze non procrastinabili della nostra stessa libertà. Gli dei sono i garanti del nostro arbitrio.
Un Nerone quindi pazzo, tragico, prigioniero della sua storia ma allo stesso tempo un uomo che sceglie. In questa contraddizione forse l’eterno fascino sulla letteratura e su di noi lettori.
Per approfondire
Riaprono finalmente i musei dopo la pandemia e al British Museum di Londra sta per aprire una grande mostra su Nerone con più di 200 oggetti, tra manoscritti, sculture, gioielli e manufatti: un racconto che va dall’ascesa al potere e passa per tutta la sua vicenda politica, in un momento di profondo cambiamento sociale all’interno dei vasti possedimenti dell’Impero Romano. Leggi qui la presentazione della mostra a cura di Artribune e visita il sito del British Museum per ulteriori informazioni.
LE LODI DI NERONE Leggi il testo del proemio del Bellum civile di Lucano: si tratta di un testo molto ambiguo dove vengono tessute le lodi dell’imperatore Nerone. La difficile interpretazione è dovuta al fatto che sono presenti tutti i motivi collaudati della laudatio, ma il tono sembra beffardo. Prova a evidenziare nel testo i passaggi che rappresentano il repertorio collaudato delle dediche e quelli in cui il tono appare invece ironico.
INTELLETTUALI E POTERE Leggi la scheda Connessioni-Intellettuali e potere che partendo da testi di Seneca e Tacito offre uno spunto di riflessione sul rapporto di filosofi, storici e scrittori con i regimi autoritari. Da qui si può partire anche per un confronto in classe sui rapporti tra intellettuali e potere ieri e oggi.
Learning through games and activities has consistently proved itself to have been a valuable part of teacher’s armoury. Being able to introduce an element of competition or fun into what might otherwise be a rather dreary lesson topic has proved a boon for both teacher and student alike. (see article “Gamification and ESL” ) Making use of online resources such as Kahoot etc, captures the interest and makes the learning fun. Nowhere is this more important than in the last few weeks of the school year, when the natural tendency to look forward to the upcoming holidays distracts from the necessity of learning.
The following are some activities that can engage the students and make the lesson both fruitful and fun.
Quando, a febbraio 2020, comparvero i primi casi di coronavirus in Italia i gel igienizzanti sparirono rapidamente dagli scaffali dei supermercati. Arrivarono a costare cifre esorbitanti nei negozi online e in alcune trasmissioni tv si tenevano lezioni su come prepararli in casa. Poi, la produzione è aumentata e un po’ alla volta sono ricomparsi sugli scaffali. Oggi ne abbiamo tutti uno nello zaino, nella borsa o in macchina e li possiamo trovare anche nei vagoni dei treni. Possiamo pulirci le mani in qualsiasi momento e probabilmente lo facciamo anche più di prima. Ma forse dovremmo limitarne un po’ l’utilizzo o quantomeno usarli in modo consapevole e non compulsivo.
Proteggersi da SARS-CoV-2 è fondamentale e mascherina e gel igienizzante sono molto efficaci nel ridurre la possibilità di contagio. L’alcool contenuto nei gel, infatti, è molto rapido ed efficace nell’uccidere virus e batteri. Agisce denaturando le proteine e, se mescolato con una percentuale d’acqua come nei gel igienizzanti, entra nelle cellule vive uccidendole rapidamente. È indubbiamente un ottimo e fondamentale disinfettante ma non è selettivo per virus e batteri nocivi ed elimina pressoché tutto. E tra quei batteri che se ne vanno purtroppo qualcuno è utile al nostro organismo.
Il nostro corpo è popolato di numerose comunità batteriche tanto che qualcuno è arrivato a dire che siamo “più non-umani che umani”. Questo insieme di microrganismi forma il microbioma e ricopre un ruolo molto importante per la nostra salute. La comunità batterica intestinale è la più nota e abbondante del nostro corpo e ci aiuta ad assumere le sostanze nutrienti. Ma anche la nostra pelle è ricoperta di preziosi microorganismi che ci aiutano a proteggerci. Impediscono il proliferare di batteri dannosi e aiutano a mantenere il normale funzionamento dell’epidermide. La presenza di questi microrganismi sul nostro corpo fluttua nel tempo anche proprio a causa dei detergenti che usiamo. Ma se abusiamo di disinfettanti e saponi indeboliamo in modo rischioso questa preziosa parte del nostro corpo.
